Llámame por tu nombre

Llámame por tu nombre

Llámame por tu nombre es el nuevo film del cineasta italiano Luca Guadagnino (director de A bigger splash), basado en la novela de André Aciman que lleva el mismo nombre, con guion adaptado de James Ivory, nominado recientemente en esta categoría para los Premios de la Academia y en su rol de director por películas como Lo que queda del día, La mansión Howard y Un amor en Florencia.  Esta candidata al Oscar se estrenará el próximo 22 de febrero en la cartelera argentina.

La película no sólo se destaca por su particular guion, sino por el arte fotográfico de la mano del tailandés Sayombhu Mukdeeprom, colaborador del gran realizador Apichatpong Weerasethakul, y además, cuenta con las brillantes actuaciones de Armie Hammer (actor de Red social), Timothée Chalamet (actuó en Homeland e Interstellar), Michael Stuhlbarg (The post y La forma del agua), Amira Casar, Esther Garrel y Victoire Du Bois. Hammer y Chalamet despliegan sensualidad y frescura, mientras que Stuhlbarg y Casar muestran contención, aplomo y sabiduría.

Llámame por tu nombre

La historia se centra en la relación entre un adolescente de 17 años, Elio Perlman (Chalamet) y Oliver (Hammer), un estudiante norteamericano de 24 años. Transcurre en un pueblo de la región de Lombardía, en la Italia septentrional. El padre de Elio (Stuhlbarg) es un profesor especializado en la cultura greco romana que recibe cada verano estudiantes para trabajar como becarios. Este verano del año 1983, Oliver es el elegido.

Elio es la figura preciada de la casa. Cuando los padres reciben visitas, él es el encargado de deleitar la noche con sus versiones de Bach tanto en piano como en guitarra. El adolescente habla tres idiomas, como su políglota madre que trabaja de traductora. Oliver es engreído y bien recibido en esta familia que ostenta intelectualidad, algo que a Elio le incomoda en un principio, pero que luego, o “later”, la muletilla de Oliver, será motivo de atracción para él.

Llámame por tu nombre

Elio y Oliver emprenden paseos en bicicleta, ya que el primero tiene el compromiso de llevar a conocer el pueblo al huésped. En este tiempo a solas comparten charlas sobre literatura, música, chapuzones en la piscina. La tensión sexual latente hará que comience un apasionado romance de verano.

Esta historia, que podría integrar la lista de cine queer, tiene la particularidad de optar por una mirada desprejuiciada, como se demuestra en el emotivo monólogo que tiene el comprensivo padre de Elio hacia el final del film. Este romance a escondidas que vivencian los protagonistas comienza a ser socialmente aceptado desde la poderosa mirada de los padres del adolescente.

 

REVIEW: La forma del agua

La forma del agua

Elisa pasa su solitaria vida siguiendo la misma rutina todos los días. Trabajar en el turno nocturno como limpieza de un laboratorio secreto, charlar con su anciano vecino, y tratar de llevar su soledad mediante…. quererse mucho así misma, mientras espera que alguien la ame pese a ser muda. Pero un extraño suceso pasa en su lugar de trabajo, y el amor que tanto esperaba, llegara de la forma más extraña.

Hoy nos toca hablar de una de las películas más esperadas y hypeadas de todas las nominadas a los premios Oscar, La forma del agua. Y no solo porque su director, Guillermo del Toro, es uno de los realizadores más queridos por los espectadores; sino porque la crítica mundial venía hablando maravillas de este film. Y para serles sincero, cuanta razón tenían.

La forma del agua

Como suele suceder con todas las películas de Del Toro, el diseño de producción es hermoso, y podríamos parar el film en cualquier momento y obtendríamos un cuadro que a más de uno le gustaría tener en su living; pero lo que destaca en esta ocasión es el guión.

A muchos quizás le parezca un simple cuento de hadas, sin ningún aditamento que lo haga especial. Pero si miramos más allá de la historia que se nos cuenta, veremos como La forma del agua toca un tema más que evidente, y es el de la aceptación de uno mismo, con sus virtudes y falencias.

Esto lo veremos en todos los personajes, quienes luchan por ser otras personas, y como sus vidas cambian para bien cuando entienden que lo mejor es dejar de aparentar, y ser como uno es por naturaleza y ya. Solo hay un personaje que no veremos cambian y ya se imaginaran quien es.

La forma del agua

A esta característica de los personajes, los acompañan muy buenas actuaciones, donde destacan el trío compuesto por Sally Hawkins, Michael Shannon y Doug Jones. Como dijimos inicialmente, la historia a priori parece simple, y estos personajes también lo serian; pero los actores se encargan de dotarlos de una humanidad, que logran de inmediato que como espectadores, deseemos que los protagonistas se salgan con la suya y el villano sufra lo máximo posible.

La forma del agua es entonces una película que hay que mirar con mucha atención. Y no solo para disfrutar del trabajo de Guillermo del Toro como director, o para apreciar la exquisita música compuesta por Alexandre Desplat; sino para valorar los detalles que hacen que un cuento de hadas cobre otro significado. Una delicia para todos los sentidos.

 

Entrevista con Juan Pablo Martínez, director de Emma

Jorge Marchisio: Hola Juan, primero felicitaciones por la película. Y la pregunta de rigor con la que quiero empezar es ¿En qué momento del armado del guión de Emma, decidiste hacer una película semi muda?

Juan Pablo Martínez: Hola Jorge y muchas gracias por tus palabras. Fue una decisión desde el comienzo, la premisa en el proceso de escritura de EMMA fue experimentar narrativamente en dónde la imagen fuera lo preponderante y no la palabra. Y lo que empezó como un ejercicio, luego fue transformándose en una histria más compleja contando con otros componentes de la puesta en escena. Pero desde el principio estaba marcado que la protagonista diría sólo una palabra en toda la película.

JM: ¿Qué tanto costó con los actores el hecho de que se tengan que expresar sin utilizar palabras?

JPM: La verdad es que no costó demasiado ya que los protagonistas son grandes actores y nos porpusimos que ese trabajo surgiera de una creación colectiva de ellos junto con el coach actoral, Juan Alvarez Prado, y conmigo. Fue un trabajo donde definimos muy bien quiénes eran estos personajes y sus conflitos internos que a su vez afectaban como se movían, como miraban, como caminanaban, como eran en su rutina diaria. Empezamos a trabajar desde lo general para después irnos adentrando en cada detalle en particular con lo que pedía cada escena.

JM: otra cosa poco convencional de Emma, es su duración ¿Eso lo fuiste manejando  a medida que armabas el guión, o ya lo tenias pensado desde el inicio?

JPM: La duración siempre fue una incógnita dentro del proceso ya que solo contábamos con una escaleta (una breve descripción de cada escena) de 12 páginas con la cual salimos a rodar por lo que durante el proceso de filmación y luego en la edición fuimos moldeando los tiempos que necesitaba la narración.

JM: Si bien a nosotros nos gustó de la película, sabemos que por lo antes comentado, no es un film convencional ¿Qué les dirías a nuestros lectores para que vean Emma?

JPM: Emma es una película que necesita, para completarse, del trabajo del espectador para ir armando los fragmentos de las vidas de estos personajes y su historia, por lo tanto no es una película fácil para el espectador por el ritmo que tienen las películas o series que está acostumbrado a ver. Emma plantea otra propuesta, y yo les diría que si quieren experimnetar otro tipo de historias donde lo sensorial juega un papel importante y donde puedan ir pensando y repensando la película a medida que avanza la historia entonces vayan al cine a verla y vivir esa experiencia.

JM: Para ir cerrando ¿Tenes nuevos proyectos en mente? Y de ser así ¿También vas a experimentar como con Emma, con la falta del diálogo o algo similar?

JPM: Emma vino a modificar bastante la forma de pensar lo que quiero seguir filmando y por lo tanto seguir experimentando con otras formas de narración. Para el segundo semestre de este año voy a filmar otra historia propia llamada LUCIA en la que la protagonista se va quedando ciega progresivamente durante el transcurso de la película y que significará otro tipo de experimentación visual que acompañará a la ceguera de la protagonista.

Muchas gracias

REVIEW: Emma

Emma

Luego de un trágico accidente, dos personas unen sus vidas casi por casualidad. Pero la soledad que comparten es tal, que ni siquiera estando acompañados podrán superarla. Anna y Juan deberán enfrentar no solo la soledad de ambos, sino las diferencias de países que los separan, todo sucediendo en un poblado minero apartado en la Patagonia.

Hoy nos toca hablar de Emma, un film por demás particular, que seguramente no va a dejar indiferente a ninguno de sus espectadores, ya que se aleja bastante de lo que estamos acostumbrados a ver a la hora de ir al cine.

Emma

La mayor particularidad, es que estamos ante una película casi muda. Si tenemos unas diez líneas de diálogo a lo largo de Emma, quizás hasta estemos exagerando; pero aunque no lo crean es así. Y esto es una buena decisión por parte del director y guionista, Juan Pablo Martínez, ya que dota a la película de esas soledad que tanto sienten y les pesa a los personajes principales.

Otro gran acierto, es el casting de Sofía Rangone en el rol de Anna. La actriz logra transmitirnos todo un abanico de emociones, casi sin emitir palabras; solo con sus gestos y una buena composición de lenguaje corporal, hacen que sintamos la desolación y tristeza casi constantes que sufre Anna a lo largo de la película.

Emma

Pero así como les comentamos lo bueno, también debemos decirles lo malo; y es que el film no es para todo el público. Y no nos referimos a un desnudo que a esta altura no debería horrorizar a nadie; sino que el hecho que la película casi no tenga diálogos, va a descolocar a más de un espectador, no sabiendo que entró a ver a la sala del cine.

Lo aconsejable, es que miren el trailer antes de ir al cine, que les va a dar una buena muestra de lo que se van a encontrar en la gran pantalla. Para aquellos que quieran ver un film poco común, Emma supondrá una buena opción. Para los espectadores ya acostumbrados a un cine convencional y que no supone ningún reto; lo mejor es que se planteen seriamente la opción de verla.

 

REVIEW: Godless

Godless

Tras un robo a un tren, uno de los miembros de la banda de Frank Griffin decide huir con el botín, siendo perseguido por sus ahora ex compañeros, pero esto desatará una serie de eventos que incluirán el asesinato a todos los hombres de un pueblo, o como un forajido conocerá lo que es vivir honradamente; mientras todos saben de la amenaza latente que aún existe, llamada, Frank Griffin.

Hoy les vamos a hablar de Godless, una serie que nos dio Netflix el pasado año, y que por desgracia pasó sin pena ni gloria, no teniendo el reconocimiento que al menos nosotros, pensamos que debería tener. Así que hoy le vamos a comentar porque deben ver este western.

Godless

En primer lugar porque Jeff Daniels hace del villano, y ¡Que villano! Si ya es un gusto ver a Daniels en el papel del malo, imagínense un hombre manipulador, carismático, y que con un par de dulces palabras puede parecer la persona más noble y tierna del planeta. Y así es como une a jóvenes a su banda, fingiendo que él se volverá el padre de cada uno de ellos; todo con tal de que le deban fidelidad y den la vida por él.

Es una pena que su personaje no salga tanto como quisiéramos. Pero por suerte, Godless no se desvía en sub tramas aburridas o absurdas, ya que todo lo que cuenta, tiene sentido y confluye en un final donde nada queda colgado o sin explicar.

Es interesante también, como de forma ingeniosa, se baja un mensaje feminista en esta serie. Y es que casi en los primeros minutos, vemos como todo un poblado queda solo habitado por mujeres; y son ellas mismas las que deben sacar a flote el lugar, primero por necesidad, luego mostrando que pese a la insistencia para traer hombres al pueblo, las mujeres pueden resolver las cosas por sí mismas. Y en ningún momento se nos presenta al hombre como alguien inútil; sino que solo se muestra una igualdad entre géneros.

Quizás el mayor pero que tiene la serie, es que nos imponen una forzada historia de amor entre nuestro protagonista (interpretado por la fusión de Tom Hardy y Antol Yelchin, Jack O´Connell). No decimos que esté mal llevada o construida, pero se siente un poco fuera de lugar con lo que la propia serie nos quería contar; es decir, el empoderamiento de la mujer y la típica historia de venganza entre hombres.

Godless

De todas formas Godless es muy disfrutable, y sobre todo, concisa. Ya vimos que uno de los males de las series actuales, es que por temporada, se extienden demasiado, y es raro ver como en esta ocasión, solo tenemos siete capítulos. Así que para todos los que son amantes de los western, o quieran ver un mensaje feminista bien puesto y no impuesto, les recomendamos que para este fin de semana, se den una maratón de Godless.

 

REVIEW: The post: los oscuros secretos del Pentágono

Steven Spielberg ha ingresado en el sub-género del cine histórico estos últimos años y está más activo que nunca (estamos a meses de su próximo estreno “Ready player one”). En esta ocasión, toma partido y revela que el pasado del país norteamericano tiene un costado fraudulento.

Corre el año 1971, los Estados Unidos se encuentran involucrados en la guerra de Vietnam y han pasado 4 presidentes en plena etapa bélica. El diario The New York Times es intimado por el gobierno y no puede publicar documentos otorgados por la CIA. En la redacción del Washington post reciben archivos de información encubierta sobre la guerra en campo asiático. La decisión de publicar los controversiales “Pentagon papers” corre a cargo de la propietaria Katherine Graham (Meryl Streep) y el principal editor Ben Bradlee (Tom Hanks).

The post: los oscuros secretos del Pentágono

The post ataca con buenas dosis cinematográficas: gracias a la impecable recreación de época y la magistral dirección del viejo Steven cada escena se presenta de forma imponente. Embiste fuerte contra el conservadurismo estadounidense que apoyó la matanza en tierras vietnamitas en pos del honor (palabra clave en el film). La mirada crítica e inmisericorde de Spielberg demuestra que el cineasta ha madurado en su propio estilo, ya dejando de lado ciertos patriotismos (que los hay pero con mayor sutileza) y despojando sus cartas sobre la mesa, o sea personajes y situaciones ambiguas que aportan coherencia y riqueza narrativa al gran desfile de redactores, periodistas y editores que conforman The Post. Aborda los temas: libertad de prensa (The Washington Post dejó de ser una editorial pequeña después del escándalo), secretos de estado (el presidente Nixon se vio seriamente afectado y el posterior caso Watergate le propinó la estocada final) y feminismo (Graham fue la primer mujer con poder editorial en el ambiente de las redacciones norteamericanas). Quizá sea obvio pero vale destacar que Tom Hanks y Meryl Streep están notables (ella logró otra nominación al oscar por su interpretación).

Por su estilización y los temas que trata The post es una película comprometida con el presente de Estados Unidos y que vale la pena ver.

 

 

 

REVIEW: Detroit

Luego del arresto de la policía a un grupo de personas de color, en Detroit se dio el famoso caso de un disturbio que terminó convirtiendo el lugar en una zona de guerra. Dentro de todo este caos, veremos como un par de policías racistas de gatillo fácil, someten y maltratan a un grupo de miembros de la comunidad negra, solo por el hecho de que lo pueden hacer.

Kathryn Bigelow vuelve con otra película que no va a dejar a ninguno de sus espectadores indiferente, ya que una vez más, nos cuenta una historia de violencia e irracionalidad humana; centrada en un caso real; lo cual vuelve a Detroit, mucho más cruda de lo que es.

Detroit

Lástima que esta idea se queda en eso, una premisa. Si bien los anteriores proyectos de Bigelow eran lentos, uno sabía que se estaba cocinando algo muy espeso y heavy de fondo, llegando al final no solo el clímax, sino una revelación que dejaba al espectador con un sentimiento símil a una patada en el estómago. Por desgracia, en Detroit esto no sucede.

Y es que el mayor pecado de Detroit es que tarda casi una hora en arrancar hasta llegar a la trama que de verdad nos querían mostrar. Hasta entonces vemos como se fue gestando el disturbio y el caos que se generó, poniendo en jaque a la ciudad. Esto es entendible, pero mientras tanto, poco y nada vamos viendo de nuestros protagonistas; y cuando finalmente los conocemos, ya poco podemos conectar con ellos, porque seguramente ninguno de nosotros se acordara de sus nombres.

Es una pena que el guión esté tan desbalanceado, ya que una vez que por fin conocemos a nuestros protagonistas y ellos a los antagonistas, Detroit pega un salto de calidad y se torna evidente quien está detrás de las cámaras; dándonos momentos de tensión puros, y con algunas actuaciones dignas de mencionar como lo son John Boyega o el casi Pennywise, Will Poulter.

Detroit

Y sobre Poulter, queremos hacer una mención especial. Si bien su personaje es bastante cliché y es malo y racista porque sí, el actor se encarga de dotar de tanta personalidad a este odiable policía, que no van a pasar demasiados minutos hasta que queramos que alguien le rompa la cara o lo haga quedar como la mala persona que es.

Detroit termina siendo una película correcta, y atrapante; pero con el enorme problema de que se toma casi una hora para presentarnos la situación que quiere contar su realizadora; logrando que el espectador, hasta entonces, se la pase resoplando o mirando el reloj. Dependerá mucho de quienes la vean, si una vez pasada la larguísima introducción, se dejan llevar por la historia, o si por el contrario, ya quieren que la película termine de una vez, y olvidarla.

 

REVIEW: El Marginal

Miguel Patricios siempre trabajó del lado correcto de la ley, o eso parecía. Pero ahora deberá infiltrarse en una peligrosa cárcel para obtener información sobre el paradero de la hija secuestrada de un turbio juez de la nación. Traiciones, nuevas amistades, amor y desesperación estarán  en el presidio, esperando al ahora llamado Pastor Peña.

Las series sobre los escalafones más bajos de Argentina, no son materia nueva. Proyectos como Tumberos u Okupas, fueron trascendentes en su momento; y por eso mismo es que El Marginal llamaba la atención antes de que se proyectara por la tv publica; ya que como es sabido por cualquier cinéfilo/seriefilo argentino, muchas veces se suele caer en el lugar común y lo cliché a la hora de contar estas historias.

El Marginal

Por suerte esto no lo veremos en El Marginal, ya que se retrata bastante fiel como es vivir en este contexto. Además que sabe resolver de forma bastante inteligente, una trama que a priori pareciera verse muy usada sobre todo en el cine (la del preso infiltrado).

Y esto es gracias al buen uso de los personajes secundarios. El trío de actores compuestos por Claudio Rissi, Nicolás Furtado y Gerardo Romano; los primeros como los hermanos que manejan todo en el presidio pese a ser presos, y el tercero como el alcaide que es más corrupto que los propios reos. Cualquiera de los diálogos de estos tres actores es una delicia y va a sacar más de una carcajada al espectador, ya que a medida que tiran información sobre la trama, son una catarata de insultos de esos que terminan causando bastante gracia.

El Marginal

Quizás como único punto negativo, podríamos decir que la serie se extiende en demasía, y  que los 13 capítulos se hacen notar cuando llegamos al tramo final; con algunas sub tramas nuevas que aparecen para conveniencia del guion. Pero esto en contraposición a lo bueno que se nos venía presentando anteriormente, no opaca el buen trabajo realizado por Sebastián Ortega a la hora de crear este micro universo dentro de una cárcel olvidada por la sociedad.

Para aquellos que ya vieron El Marginal en su primera emisión por televisión abierta, están frente a una gran oportunidad para volver a verla, ahora en Universal Channel. Para aquellos que la dejaron pasar, ya sea porque no se animan a producciones nacionales, o porque en su momento no tuvo la publicidad debido a que se emitió en un canal de TV de aire; no pueden dejar perderse esta serie, que nos vuelve a demostrar, que cuando se hacen las cosas bien, la producción nacional no tiene demasiado que envidiarle a la extranjera.

 

REVIEW: Apuesta Maestra

Apuesta Maestra

El cine incursionó varias veces en el mundo del póker y los juegos de azar, desde El golpe (The sting; 1973) hasta 21 blackjack (21; 2008) este ámbito de clandestinidad y codicia ha sido retratado desde diferentes perspectivas. En esta ocasión, la astucia y el poder se concentran en una figura femenina (concepto poco abordado en el cine y por demás interesante), Molly Bloom quien escribió sus propias memorias en las que se basa esta ópera prima de Aaron Sorkin, guionista de La red social (The social network; 2010).

Molly (Jessica Chastain) es una tenaz competidora de esquí, cuyo futuro se ve truncado después de sufrir una caída casi mortal. Tras su ausencia en los juegos olímpicos decide mudarse y cambiar de vida, estudia derecho, trabaja de camarera y es allí cuando ve una oportunidad en el juego. La inteligencia de Molly para las relaciones sociales le ha permitido llegar a codearse con un entorno de gente importante que juega a apostar dinero en partidas de póker. Molly llegó a ser millonaria a una joven edad pero el FBI estaba tras sus pasos.

Apuesta Maestra

El juego de Molly (título real de esta película) consiste en no rendirse, ya sea por un padre exigente (Kevin Costner), esquivando sutilmente la voracidad masculina de los jugadores o la ilegalidad (en un principio) para no caer arrestada. El tempo sorkiniano fluye como un río cuando se trata del ascenso de Molly a las grandes ligas del póker, no puede decirse lo mismo de los conflictos y traumas familiares, aun así no deja de ser disfrutable en su conjunto. Pueden destacarse además las actuaciones de Idris Elba como un abogado verborrágico y a Michael Cera como el jugador X lleno de malicia. Pero es Jessica Chastain quien sobresale en el papel de esta intrépida mujer y sabe demostrar que menos es más, su mínima gesticulación facial vale todos los elogios que está recibiendo.

La trama goza de un ritmo trepidante, quizá un poco acelerada, producto 100% de Aaron Sorkin. Como no podía ser de otra forma tiene un guión milimétricamente pulido y está nominada al oscar en el apartado mejor guión adaptado.

Apuesta Maestra

Apuesta maestra es recomendable para aquellos que quieren ver un film con buen ritmo narrativo o un ejercicio de superación.

 

 

 

REVIEW: Victoria y el sexo

Victoria y el sexo

Victoria y el sexo (Victoria; 2016) es un film francés dirigido por Justine Triet. La temática se centra en Victoria (Virginie Efira), una abogada que atraviesa una crisis de la mediana edad (los 30s). ¿Quién puede culparla? A los problemas laborales hay que añadir que es madre soltera de dos niñas y tiene una ex pareja que expone sus secretos personales en un blog con excesivo descaro.

Sin embargo, la sinopsis recién señalada es un puente para demostrar el verdadero problema de Victoria: el sexo. Nuestra protagonista es una workaholic que encuentra el placer en el trabajo. En una sesión de terapia la misma Victoria reconoce no tener goce, solo placer por su ocupación. El problema que ocasiona el entorno que la rodea es la acumulación de stress, ella ha pasado tanto tiempo siendo abogada que no sabe como ubicarse en otro aspecto, la ambivalencia se hace presente en su vida personal de la misma forma que en la defensa de un culpable o un inocente. Después de una suspensión de 6 meses no sabe que hacer con su vida. Al principio pasa más tiempo con sus niñas, después está al borde de la decadencia con automedicación de pastillas y termina buscando erróneamente compañía masculina por las noches.

Victoria y el sexo

Victoria no utiliza el sexo como goce mismo sino como vía de escape y éste, se postula como una salvación en un mundo frívolo. El caos que producen los magistrados con sus casos y desequilibrados personajes (hombres, mujeres, perros dálmatas y chimpancés, todos sirven como prueba/testigo en un estrado) en contraposición al conflicto interno de Victoria y su abstinencia sexual no planeada llevan a una conclusión: las leyes son útiles más no afrodisíacas.

Victoria es una mujer al borde de una crisis nerviosa cuya vida personal afecta a su trabajo y viceversa, una premisa que puede atrapar algunos espectadores.