REVIEW: Recreo

¿Cansado de la rutina?  ¿La convivencia con tu pareja es rutinaria? Es hora de un “Recreo”. Llegó la primera comedia dramática nacional pochoclera en cartelera 2018, idónea para reflexionar sobre el paso del tiempo. El film codirigido y coescrito por la dupla de realizadores Jazmín Stuart (Desmadre, Pistas para volver a casa) y Hernán Guerschuny (El crítico, Una noche de amor) retrata el lado B de tres parejas amigas, en crisis, que rondan la década de los cuarenta y avanzan al ritmo de las agujas del reloj biológico sin reflexionar si están juntos porque el amor que los unió sigue latente o ya es mera costumbre y sigue el mandato del statu quo. Así, casadas y con hijos se reúnen durante un fin de semana con ansias de romper sus rutinas en una casa de campo con bellas vistas hacia el jardín, quincho y pileta… ¡Todo encaminado para un perfecto relax! Sin embargo, no todo lo que brilla es oro y el encuentro en esa única y soñada locación –epicentro de eficaz producción; austera- será el escenario de un sin fin de peripecias que darán rienda suelta a la misión de sostener, con el correr de los minutos, la premisa que cada pareja es un mundo y ser padres una tarea fina…  ¿Podrá un secreto que perdió vigencia en la incomunicación vencer el amor? ¿O aquellas viejas rivalidades, olvidadas, cobrarán vuelo y nuevos rumbos en sus vidas? Esta retórica es la mejor apuesta del guión para sortear los lugares comunes que conlleva.

Sin duda, la clave del éxito reside en la química del elenco integrado por Juan Minujín, Carla Peterson, Fernán Mirás, Pilar Gamboa, Martín Slipak y la mismísima Jazmín Stuart (que en su tercer largo se animó además de dirigir y escribir a actuar). La performance lograda entre bailes al ritmo de The Safety Dance bajo el efecto de levitación producto del consumo de drogas y alcohol logran la sensación de desconexión. Mientras intentan esquivar a sus hijos que rondan en esa casa surgen viejas rivalidades, que coexisten, en el grupo de amigos. Este puntapié inicial de la trama, por momentos, rememora la película Voley (2015) de Martín Piroyansky: emparda el amor con situaciones tragicómicas y desopilantes que suceden durante un fin de semana lejos de la ciudad; más precisamente en una isla del Tigre propiedad del anfitrión. Sin embargo, la dupla Stuart-Guerchuny da en la tecla con tres aristas cruciales  que sostienen con creces los hilos de esta película coral: Los actores coinciden con la edad de los personajes que interpretan; generan credibilidad al marco buscado y empatía con el espectador. Mientras que Voley refleja el complejo universo adolescente y la clase burguesa; Recreo cual efecto aguja hipodérmica retrata y encapsula mediante el funcionalismo del  elemento simbólico de la casa de fin de semana el posicionamiento de clases. El matrimonio de arquitectos aburguesado conformado por Andrea (Carla Peterson) y Leo (Fernán Mirás) recibe a sus amigos de clase media. Ellos tienen un hijo adolescente (Agustín Bello Ghiorzi) y aconsejan -en términos de Maquiavelo- cómo cuidar la pareja de Mariano (Juan Minujín) y Lupe (Jazmín Stuart) que son padres primerizos y, además, atraviesan una crisis laboral; y también a Sol (Pilar Gamboa) y Nacho (Martín Slipak) que están juntos desde el colegio y tienen trillizos. Hasta acá, la fórmula subraya la típica comedia francesa. El reduccionismo que presenta guión en el terreno psicológico freudiano con problemas maritales, tales como por ejemplo: la resignificación de lo sexual con la llegada de los hijos y los camuflajes de las personalidades en el rol de Dominante/Dominado mediante actitudes infantiles sigue los parámetros del leitmotiv de la trilogía “Before” de Richard Linklater; el tinte positivista de “Dos más dos” de Diego Kaplan y evidencia que están todos al borde del delirio, sano. Deben vivir y sobrevivir.

Párrafo aparte para la producción y el arte.  En materia montaje (Agustín Rolandelli) y fotografía (Marcelo Lavitman) repiten criterios de “El Crítico” donde ambos conformaron el equipo. La dirección sigue la ecuación menos es más y entre planos secuencia y  planos detalle funciona. Todo transcurre en una locación; la casa donde Hernán Guerschuny vacacionaba de pequeño; es allí donde su cámara en mano registra la intimidad. En esta línea, el encierro de las seis parejas cual conejillos de indias es acertada. Como plus, los diálogos marcan adrede el tono televisivo con situaciones donde el elenco atraviesa alegrías y tristezas; alteración que en conjunción a las tomas aéreas enfatiza el concepto de relatividad y machismo; segundo guiño que propone el film. Entretanto, se observa un globo aerostático que levanta vuelo (Minujin y Slipak) mientras sus mujeres (Stuart y Gamboa) están en la casa lavando los platos… mientras que Fernán Mirás considera la caza como deporte y sinónimo de masculinidad. Por efecto contagio, pondera que los niños repliquen ese accionar mientras los padres viven su adolescencia tardía.

Así, “Recreo” imprime correctamente un replanteo existencial y frustraciones acumuladas. Propone escapes aleatorios al conflicto pero no lo cierra. Hubiese sido interesante ver un desarrollo más jugado sobre esta apuesta coral al desencuentro. No obstante, a buena hora , como indica el stanley ¿Querías tiempo libre? ¡Bienvenido sea el escape!

REVIEW: The Cloverfield Paradox

The Cloverfield Paradox

Todo el universo Cloverfield está rodeado de un misterio absoluto. Su realización, fecha de lanzamiento, promoción es una controversia constante que recurre al factor sorpresa para alimentar a la masa de espectadores.

En la primer Cloverfield (2008) encontramos la acción en el caos de una ciudad en ruinas por el ataque de una criatura; en 10 Cloverfield Lane, la secuela del año 2016 la acción se trasladaba a un bunker con un John Goodman prepper psicótico que retenía a una pobre Mary Elizabeth Winstead. Dos años más tarde nos encontramos con The Cloverfield Paradox una aventura espacial lograda por una monumental movida de Netflix con una fecha de lanzamiento pactada a minutos de finalizar el Superbowl LII.

The Cloverfield Paradox

¿Qué nos ofrece The Cloverfield Paradox?

Primero y principal estamos ante una película que posee grandes talentos internacionales: Daniel Brühl, John Ortiz, David Oyelowo, Aksel Hennie, Zhang Ziyi, Gugu Mbatha-Raw, Chris O’Dowd y Elizabeth Debicki se encargan de atraer la atención del espectador caracterizando a un grupo de astronautas luchando por lograr una solución al problema energético que enfrenta la tierra. Aviso: hasta aquí llega lo único racional que posee The Cloverfield Paradox, el resto es una sobredosis de momentos – algunos de ellos bastante memorables – que generan una confusión absoluta en el espectador.

La película juega con el viaje accidental interdimensional, y esto es un objeto riesgoso ya que el público se pregunta hace ya diez años de qué va toda esta serie de películas. ¿Tenemos respuestas? , pero a coste de resoluciones forzadas absurdas e hilarantes que alejan esa sensación de lo desconocido que generaba esta serie de películas. Al mismo tiempo su director, Julius Onah, maneja correctamente a sus actores pero desafortunadamente nadie parece entender de qué va todo este asunto de Cloverfield; tenemos situaciones irracionales por el simple hecho de entretener al público y sin un objetivo final.

The Cloverfield Paradox

Además en The Cloverfield Paradox se explora una sub trama alternativa protagonizada por Roger Davies, interpretando al esposo del personaje de Mbatha-Raw, esta sub trama  lo único que dedica es alejarnos de lo que verdaderamente importa; tenemos una situación crítica en el espacio, las dimensiones se están fusionando, hay un brazo que tiene vida propia (literal) y nosotros nos preguntamos ¿a dónde están los gusanos? pero el guión de Oren Uziel (Freaks of Nature, 22 Jump Street) nos impone minutos perdidos mostrando baratija en formato audiovisual protagonizadas por el actor Roger Davies. Todo esto tiene un punto de quiebre, un desenlace conjunto, pero al llegar a esa instancia, sinceramente, ya no nos importa.

The Cloverfield Paradox es una interesante sorpresa para disfrutar en Netflix; la película está llena de momentos surrealistas que sirven de entretenimiento para el espectador, es ideal para disfrutar un fin de semana y que quede ahí. Para ver y debatir.

REVIEW: 50 Sombras Liberadas

50 Sombras Liberadas

La exitosa trilogía erótica de E. L. James llega a su fin en 50 Sombras Liberadas (“Fifty shades freed”) con Anastacia Steele y Christian Grey en la etapa matrimonial.

Ambos se enfrentan a los retos de toda pareja: rutina, celos y peleas en torno al futuro. La madurez ha llegado y los juegos sensuales continúan siendo el pasatiempo favorito de la pareja. El tono sugerente y la música de Danny Elfman aportan para seguir en la línea de las anteriores entregas.

El problema radica en un guión maníqueo que no tiene la fluidez necesaria para llevar a cabo una narración concisa. Además hay muchas escenas reveladas en los avances que amagaban con ser importantes para la trama y en la película no lo son, gato por liebre.

50 Sombras Liberadas

Obviando el hecho de que la saga “Sombras de Grey” nunca se ha exigido a sí misma en cine tanto como en los libros, estamos ante una película que tiene problemas de montaje, de ritmo y de dirección. Las situaciones no son introducidas de la mejor manera, es decir, no hay un porqué ni un motivo, solo ocurren porque sí, el director James Foley no estuvo fino. Tampoco hay mucho que decir de las actuaciones, probablemente lo único rescatable sea la química que han logrado Dakota Johnson y Jamie Dornan con el paso de las películas.

No pienso que 50 Sombras Liberadas requiera un mayor análisis, es un film hecho sin nervio de una saga difícilmente recordable. Seguramente tendrá su público que acudirá a verla, abstenerse los no-seguidores de la saga.

 

REVIEW: 15:17: Tren a París

15:17: Tren a París

Sin duda alguna, entre a ver esta película sin ninguna expectativa. Ya que por dentro mio sabia que estaba muy lejos de ver a lo que fue su gran obra maestra, Gran Torino. Acá podemos apreciar la historia verídica de lo que fue un hecho real.

En el tren de Amsterdam a Paris, todo comienza contándonos la vida de estos tres heroes ( un gran punto extra por el trabajo logrado como director el señor Clint Eastwood). Ya que para 15:17: Tren a París, trabajó con gente sin experiencia actoral, y se puede decir que lo logró muy bien, tocando temas de problemática como: las armas, el nacionalismo, enseñanza ultra católica, los problemas de conducta.

15:17: Tren a París

Pero por momentos, 15:17: Tren a París, se vuelve aburrida con muchas vueltas y escenas que no aportan nada al film. 15:17: Tren a París se puede decir que seria la mas floja de su carrera como director, hasta me animo a decir que los primeros 60 minutos, se ve como un experimento filmico con aires a Stan by me, Euroviaje Censurado. Y a eso le sumamos una gran propaganda a hacernos un tour por Europa, demasiadas veces ( ya exagerado ) la palabra selfie, redes sociales y el uso del smartphone. Como director Clint Eastwood tiene una carrera muy bien realizada, acá tiene su bache para mi opinión.

Tranquilamente es un film para su salida por streaming o blu ray directo. El estreno en cine creo le quedó grande. Hizo un gran trabajo narrando la historia, la idea es buena. Pero algo quedo en el camino, deja un sabor a mas. Una película que con los años no será muy recordada y suma una más al montón. Para verla un domingo en casa y pasar el rato es recomendable.

 

REVIEW: Todo el dinero del mundo

Todo el dinero del mundo

El magnate y multimillonario John Paul Getty tiene todo el dinero que puede imaginar. E incluso empieza a llevarse bien con su distanciado hijo y el resto de su familia. Pero cuando secuestran a su nieto de 16 años, Getty deberá poner en la balanza que aprecia mas en este mundo, si el efectivo, o su propia sangre y descendencia.

Hoy nos toca hablar de Todo el dinero del mundo, una de las películas que mayor controversia trae en esta época de premios, por todo lo sucedido y comentado con Kevin Spacey y su posterior despido del proyecto, y con Christopher Plummer ocupando su lugar y re filmando todas las escenas del primero.

Todo el dinero del mundo

Y es que si bien lo que pasó fue bastante importante para la industria, si nos ponemos a fijar los atributos que tiene Todo el dinero del mundo, empezamos a encontrar muy pocas cosas que destaquen este film, por sobre otras películas promedio y que pasan sin pena ni gloria en la etapa de las premiaciones al cine.

De Ridley Scott ya sabemos que es la irregularidad personificada en un director. Nos da una gran película como The Martian, para el año siguiente seguir hundiendo a los xenomorfos con Alien: Covenant. Y acá su dirección no pasa de lo correcto; demostrando que pese a tener peliculones en su espalda, no vemos un estilo claro en su filmografía.

A esto hay que sumarle que la narración de la cinta si bien es correcta, no propone ningún reto al espectador, y veremos una película lineal. Solo debemos seguir lo que sucede y ya; como si estuviéramos ante un film convencional de secuestros.

Todo el dinero del mundo

Por suerte dentro de todo esto, tenemos a Michelle Williams, quien se carga toda la película en sus hombros, y da una interpretación que si es digna de las nominaciones que viene cosechando. La actriz logra transmitir toda la desesperación que padece una mujer ante el secuestro de su hijo; pero también la determinación para que se haga justicia y todo se resuelva; enfrentando a los investigadores, y por sobre todo, a su nuero para que pague el dichoso rescate. Definitivamente Williams es la única nominación entendible que tenemos en este film.

Todo el dinero del mundo es una película que si bien no es mala, tampoco es demasiado destacable en líneas generales. Y es por eso mismo que nos parece extraño que tenga tantas nominaciones a varios premios; cuando en realidad, terminó siendo más conocida por el escándalo con uno de sus actores, que por sus propias virtudes.

 

REVIEW: Emma

Emma

Luego de un trágico accidente, dos personas unen sus vidas casi por casualidad. Pero la soledad que comparten es tal, que ni siquiera estando acompañados podrán superarla. Anna y Juan deberán enfrentar no solo la soledad de ambos, sino las diferencias de países que los separan, todo sucediendo en un poblado minero apartado en la Patagonia.

Hoy nos toca hablar de Emma, un film por demás particular, que seguramente no va a dejar indiferente a ninguno de sus espectadores, ya que se aleja bastante de lo que estamos acostumbrados a ver a la hora de ir al cine.

Emma

La mayor particularidad, es que estamos ante una película casi muda. Si tenemos unas diez líneas de diálogo a lo largo de Emma, quizás hasta estemos exagerando; pero aunque no lo crean es así. Y esto es una buena decisión por parte del director y guionista, Juan Pablo Martínez, ya que dota a la película de esas soledad que tanto sienten y les pesa a los personajes principales.

Otro gran acierto, es el casting de Sofía Rangone en el rol de Anna. La actriz logra transmitirnos todo un abanico de emociones, casi sin emitir palabras; solo con sus gestos y una buena composición de lenguaje corporal, hacen que sintamos la desolación y tristeza casi constantes que sufre Anna a lo largo de la película.

Emma

Pero así como les comentamos lo bueno, también debemos decirles lo malo; y es que el film no es para todo el público. Y no nos referimos a un desnudo que a esta altura no debería horrorizar a nadie; sino que el hecho que la película casi no tenga diálogos, va a descolocar a más de un espectador, no sabiendo que entró a ver a la sala del cine.

Lo aconsejable, es que miren el trailer antes de ir al cine, que les va a dar una buena muestra de lo que se van a encontrar en la gran pantalla. Para aquellos que quieran ver un film poco común, Emma supondrá una buena opción. Para los espectadores ya acostumbrados a un cine convencional y que no supone ningún reto; lo mejor es que se planteen seriamente la opción de verla.

 

El Universo de Depredador – Introducción

Fondo de pantalla de depredador

Recuerdos de la Infancia

Si hay algo que me lleve a mi infancia viviendo en Estados Unidos de los 8 a los 11 años, son las películas; en el cine y, más que nada, en VHS. En esa época (los ’80), acá en Argentina muy poca gente tenía una videocasetera. Fue como los CDs cuando recién aparecieron: para muchos, imposibles de comprar.
Así que a esa edad vi pelis como Robocop, las viejas Rambo y  Aliens.
Pero hay una peli de esa época que me marcó y, en consecuencia, terminó siendo algo que seguí y vi más de mil veces. Antes de volver al país, mi papá me compró una tele y un reproductor VHS para traer a Bs. As. porque acá eran, como dije antes, carísimos. Y para probarlos, alquilamos un par de pelis. Una fue Un Detective Suelto en Hollywood (clásica, ya sé) y la otra fue Depredador (Predator) . Mamita, eso fue el principio del fin para su fiel admirador.

Hopper despellejado
Va a quedar genial colgado en mi pared

Los Actores

Arnold Schwarzenegger (AKA Dutch) en su mejor época y con una de sus mejores actuaciones hasta la fecha. El director, John McTiernan (Duro de Matar,  La Caza al Octubre Rojo), se dijo, ” si no puedo hacerlo actuar mejor, le pongo alguien en frente que sí pueda y lo ayude”. Y vaya que ayudó: un reparto de actores como Carl Weathers (sí, Mr. Apollo Creed);  Jesse Ventura (Blain); Shane Black (sí, el actual director de The Predator) como Hawkins; Richard Chaves  (Poncho) y Bill Duke (Mac) en uno de sus mejores roles ayudaron a que su tosca actuación se suavice y se genere una dinámica y una conexión entre los actores que ayudó a que Mr. Universo no quede tan acartonado en los diálogos (bueno, tanto como se pueda).  Frases como “You’re ghosting us, motherfucker”, donde Bill Duke nos muestra intensidad genuina. ¡El grone la rompe!

Dutch y Dillon se saludan
“Dillon, hijo de perra”

Y así vi por primera vez esta peli sobre un cazador alienígena que se carga a boinas verdes, agentes de la CIA y todo el grupete de Dutch. Y sí, quién no reconoce el diseño que hasta hoy sigue dando que hablar. El famoso Yautja (después ampliaremos), el Jungle Hunter, coleccionista de trofeos de humanos. El Depredador.

El Chobi

Gracias al Maestro de los Maestros, don Stan Winston, quien después que el primer intento del director de crear un rival digno fracase, obtuvo el trabajo y nos trajo este espectacular Depredador. Con su clásica máscara, su look rasta (totalmente a propósito), su armadura, su enorme tamaño y claro, su tecnología: su camuflaje que dobla la luz y lo hace virtualmente invisible; su visión de calor y, por supuesto, su cañón de plasma que gracias a su interfaz conectada al casco revienta a todos. Esto a su vez introduce otro símbolo que quedó para la historia: el láser triple en forma de triángulo.

Depredador, sin máscara, rugiendo
Jazz Hands!

Conclusión

A ver: no es Fargo, ya lo sé. Pero dentro del cine de ciencia ficción es una joya que funciona a la perfección. Era chico, así que el poco gore que tiene me impresionó, pero no para asustarme. Depredador también nos regaló esa frase gloriosa que es conocida por todos. Ni la pongo por lo obvia que es *.

Además, nos dio la posibilidad de un universo expandido con “Alien”, en cómics (excelentes) y en film (no tanto). Y una franquicia que nos dio varias secuelas, algunas mejores que otras, pero ninguna tan buena como la que comenzó todo.

Figura de acción de Depredador
Coleccionalos a todos!

Y así, gracias a McFarlane al principio y después con Neca, comencé a coleccionar figuras de acción. Eso me abrió las puertas a un universo que no conocía tan bien. Un universo más complejo, de honor y de respeto que tienen estos antiguos cazadores que nos visitan en los veranos más calurosos. Los Yautja, estos hábiles cazadores, merecen ser reconocidos, ya que son parte de la historia de nuestra ciencia ficción. Por ahora los dejo con esto.
En las próximas entregas aprenderemos que son más antiguos de lo que creemos y que su cultura es más compleja de lo que parece.

¡Seguiremos con cosillas más interesantes de su cultura. sus películas y obvio algunas imágenes de mi colección!

¡Saludos cazadores!

 

 

REVIEW: Godless

Godless

Tras un robo a un tren, uno de los miembros de la banda de Frank Griffin decide huir con el botín, siendo perseguido por sus ahora ex compañeros, pero esto desatará una serie de eventos que incluirán el asesinato a todos los hombres de un pueblo, o como un forajido conocerá lo que es vivir honradamente; mientras todos saben de la amenaza latente que aún existe, llamada, Frank Griffin.

Hoy les vamos a hablar de Godless, una serie que nos dio Netflix el pasado año, y que por desgracia pasó sin pena ni gloria, no teniendo el reconocimiento que al menos nosotros, pensamos que debería tener. Así que hoy le vamos a comentar porque deben ver este western.

Godless

En primer lugar porque Jeff Daniels hace del villano, y ¡Que villano! Si ya es un gusto ver a Daniels en el papel del malo, imagínense un hombre manipulador, carismático, y que con un par de dulces palabras puede parecer la persona más noble y tierna del planeta. Y así es como une a jóvenes a su banda, fingiendo que él se volverá el padre de cada uno de ellos; todo con tal de que le deban fidelidad y den la vida por él.

Es una pena que su personaje no salga tanto como quisiéramos. Pero por suerte, Godless no se desvía en sub tramas aburridas o absurdas, ya que todo lo que cuenta, tiene sentido y confluye en un final donde nada queda colgado o sin explicar.

Es interesante también, como de forma ingeniosa, se baja un mensaje feminista en esta serie. Y es que casi en los primeros minutos, vemos como todo un poblado queda solo habitado por mujeres; y son ellas mismas las que deben sacar a flote el lugar, primero por necesidad, luego mostrando que pese a la insistencia para traer hombres al pueblo, las mujeres pueden resolver las cosas por sí mismas. Y en ningún momento se nos presenta al hombre como alguien inútil; sino que solo se muestra una igualdad entre géneros.

Quizás el mayor pero que tiene la serie, es que nos imponen una forzada historia de amor entre nuestro protagonista (interpretado por la fusión de Tom Hardy y Antol Yelchin, Jack O´Connell). No decimos que esté mal llevada o construida, pero se siente un poco fuera de lugar con lo que la propia serie nos quería contar; es decir, el empoderamiento de la mujer y la típica historia de venganza entre hombres.

Godless

De todas formas Godless es muy disfrutable, y sobre todo, concisa. Ya vimos que uno de los males de las series actuales, es que por temporada, se extienden demasiado, y es raro ver como en esta ocasión, solo tenemos siete capítulos. Así que para todos los que son amantes de los western, o quieran ver un mensaje feminista bien puesto y no impuesto, les recomendamos que para este fin de semana, se den una maratón de Godless.

 

REVIEW: The post: los oscuros secretos del Pentágono

Steven Spielberg ha ingresado en el sub-género del cine histórico estos últimos años y está más activo que nunca (estamos a meses de su próximo estreno “Ready player one”). En esta ocasión, toma partido y revela que el pasado del país norteamericano tiene un costado fraudulento.

Corre el año 1971, los Estados Unidos se encuentran involucrados en la guerra de Vietnam y han pasado 4 presidentes en plena etapa bélica. El diario The New York Times es intimado por el gobierno y no puede publicar documentos otorgados por la CIA. En la redacción del Washington post reciben archivos de información encubierta sobre la guerra en campo asiático. La decisión de publicar los controversiales “Pentagon papers” corre a cargo de la propietaria Katherine Graham (Meryl Streep) y el principal editor Ben Bradlee (Tom Hanks).

The post: los oscuros secretos del Pentágono

The post ataca con buenas dosis cinematográficas: gracias a la impecable recreación de época y la magistral dirección del viejo Steven cada escena se presenta de forma imponente. Embiste fuerte contra el conservadurismo estadounidense que apoyó la matanza en tierras vietnamitas en pos del honor (palabra clave en el film). La mirada crítica e inmisericorde de Spielberg demuestra que el cineasta ha madurado en su propio estilo, ya dejando de lado ciertos patriotismos (que los hay pero con mayor sutileza) y despojando sus cartas sobre la mesa, o sea personajes y situaciones ambiguas que aportan coherencia y riqueza narrativa al gran desfile de redactores, periodistas y editores que conforman The Post. Aborda los temas: libertad de prensa (The Washington Post dejó de ser una editorial pequeña después del escándalo), secretos de estado (el presidente Nixon se vio seriamente afectado y el posterior caso Watergate le propinó la estocada final) y feminismo (Graham fue la primer mujer con poder editorial en el ambiente de las redacciones norteamericanas). Quizá sea obvio pero vale destacar que Tom Hanks y Meryl Streep están notables (ella logró otra nominación al oscar por su interpretación).

Por su estilización y los temas que trata The post es una película comprometida con el presente de Estados Unidos y que vale la pena ver.

 

 

 

REVIEW: El pájaro loco

El pájaro loco es un personaje animado diseñado por Ben Hardaway (el mismo caricaturista de Bugs Bunny y el Pato Lucas). Su primera aparición ocurrió en el show de Andy Panda en 1940. El pájaro loco (The woody woodpecker show) fue transmitido con períodos de intervalo entre 1957 y 2002, con otros personajes como Chilly Willy y Pablo Morsa. Durante la década del 50 y el 60 se erigió como la animación más irreverente de los Estados Unidos.

Esta película es un punto y aparte. La historia nos lleva a conocer a un abogado divorciado que decide construir una casa en medio del bosque, es acompañado en el viaje por una novia oportunista y su hijo, con el que no tiene ningún lazo afectivo. El problema es que la zona silvestre está habitada por un peculiar y territorial pájaro carpintero.

El pájaro loco

Prácticamente no hay ningún apartado de Pájaro loco que se salve. El personaje de antaño está mal diseñado con un CGI que desborda (de mala manera) los escenarios naturales. La personalidad del mismo parece haber sido olvidada por completo, el encanto que llevaba en la serie original brilla por su ausencia desmereciendo así la vida previa del reconocido carpintero. El guión es simple y hasta se podría decir que subestima la inteligencia del espectador con gags muy ingenuos. Los personajes son planos y carentes de interés.

El pájaro loco tiene una estrella en el paseo de la fama de Hollywood (otorgado a su creador Walter Lantz en 1986) y nada tiene que ver con este film que ha perdido la brújula en la piedra fundamental: su personaje principal.