REVIEW: The Square

Ruben Östlund retrató la problemática del bullying en los niños en Play (2011), con un realismo social que desnudaba las falencias del sistema en Suecia. Hasta el momento en que pude ver The Square, Play era lo más destacado en su filmografía. No habría que ignorar su laureada Force Majeure (2014), pero es que aún cuesta creer que su película menos arriesgada sea la más reconocida.

Ahora no hay chicos peleando en las calles o una pareja en conflicto. The Square es protagonizada por Christian (un notable Claes Bang), un curador de un museo de arte contemporáneo que expone obras destinadas a fomentar valores humanos como la solidaridad y la empatía. The Square (la obra del museo que le da el título a la película) quiere mostrarnos que la bondad humana todavía existe, y está representada por un perímetro cuadrado luminoso de 4×4, ahí dentro todos están a salvo del mundo exterior. Como si de una burbuja protectora se tratase, The Square es el futuro perfecto.

The Square

En paralelo, en un intento por ganar mayor notoriedad para el museo, unos jóvenes pasantes logran viralizar lo controversial en YouTube. Un video que por violento y gráfico va en contra del ideal del museo. Surge el conflicto.

Östlund narra los hechos con la corrección técnica sueca que lo representa: planos milimétricamente estudiados, un guión férreo y el infaltable estilo nórdico. Hay escenas muy logradas sobre la marcha y funciona como una radiografía del comportamiento humano. Es una sátira que bastardea la corrección política, muchas veces de manera shockeante (memorable la escena del poster).

No es para el público masivo, recomendable para quien quiera ver una historia bien contada y lejos de la risa fácil.

REVIEW: Suburbicon: bienvenidos al paraíso

Suburbicon: bienvenidos al paraíso

Suburbicon es una ciudad de ensueño de los inicios de la década del 60. De a poco fue creciendo tanto en habitantes, como en cultura propia, brindando a sus ciudadanos todos los servicios, y la tranquilidad de vivir en un lugar donde nada malo podría pasar. Pero al mismo tiempo que una familia de raza negra se muda al barrio, un par de asaltantes irrumpen en la casa de los Lodge, matando a la madre de la familia. Nada volverá a ser igual en Suburbicon.

Estamos ante una nueva película dirigida por George Clooney, tras la fallida Operación Monumento. Aunque en realidad, Suburbicon: bienvenidos al paraíso pareciera un film made in los hermanos Coen, ya que fueron ellos quienes escribieron (en parte) el guión; y el resultado final es una cinta que tiene todo el estilo de Ethan y Joel Coen.

Heredera de los policiales con humor negro con el sello de los Coen, Suburbicon: bienvenidos al paraíso sigue al pie de la letra lo visto en anteriores films de estos hermanos. Gente normal, un crimen, todo que se va complicando más y más mientras el nivel de locura y estupidez de los personajes va en aumento hasta que explota todo. Y en el medio de esto nos preguntamos ¿George Clooney aporta algo? Poco, pero lo hace.

Suburbicon: bienvenidos al paraíso

Las películas dirigidas por Clooney mostraban bastante carga política hasta la fecha; y en ésta ocasión, se nota en menor medida su presencia en el guión (junto con Grant Heslov completan el cuarteto de guionistas). No es gratuito el hecho de que todo se inicie al mismo tiempo que una familia de color se mude al lugar, y sean usados como chivos expiatorios. Solo hay que saber leer la película y el subtexto que nos presenta.

Por el lado de la actuación, Matt Damon le pone la cara al Georgle Clooney perdedor y patético que vemos en el cine de los Coen. Suena complicado pero es así, Damon sabe imprimir un aire a fracaso a su personaje, que sentimos lastima por él de forma inmediata. Es una pena que a Julianne Moore no le dieran mucha cuerda para lucirse, lo mismo que a Oscar Isaac. Y, si bien, sus participaciones son breves, se siente en falta que les dieran más tiempo en pantalla.

Suburbicon: bienvenidos al paraíso

Pero quíen de verdad tenemos que hablar es del pequeño Noah Jupe. Aunque parezca extraño, el niño es el verdadero motor de la película; siendo el protagonista y estando en pantalla gran parte del film. Y la verdad que no sólo queda bien parado frente a sus compañeros adultos de elenco; sino que nunca se vuelve insoportable, como tristemente pasa con varios chicos en el cine o la televisión.

Suburbicon: bienvenidos al paraíso es una divertida película que tiene el sello marcado a fuego de sus guionistas. Con varias escenas bien “WTF” y unas actuaciones solidas, sin proponérselo, George Clooney dio uno de los films más sólidos de este tramo final del año.

REVIEW: La Liga de la Justicia

La Liga de la Justicia

El mundo sigue sin recuperarse tras la muerte de Superman. Y eso no es todo, Batman sospecha de una posible invasión extraterrestre, que está relacionada con la aparición de tres poderosas cajas. Así es como Bruce Wayne empieza a reclutar gente con habilidades únicas, para formar un súper grupo que le haga frente a la oleada de alienígenas hostiles; pero necesitarán también contar con la ayuda de alguien que ya no está entre nosotros, el mismísimo Hombre de Acero.

Y finalmente llegó el día tan esperado, donde por fin podemos ver a los superhéroes más conocidos de DC juntarse en la misma película, luego de años de especulaciones y algunas malas decisiones. Pero como el hype era tanto, la gran pregunta que se va a hacer la mayoría es ¿La Liga de la Justicia es una buena película o el DCEU no tiene salvación?

La película es buena, eso hay que aclararlo de entrada. Pero no podemos ser fanboys o necios y negar cosas evidentes que se ven mientras observamos cómo se forma uno de los grupos súper heroicos más conocidos de la historia. Y uno de los mayores motivos para que esto suceda es responsabilidad de los productores y su falta de organización.

Inicialmente se había comentado que la cinta duraría casi tres horas, pero el corte final de Justice League es de dos horas exactas, haciendo que se noten los recortes y provocando en muchos momentos que la trama avance porque sí, a las apuradas, sin un desarrollo coherente o donde veamos que se desenvuelven como un verdadero equipo y no sólo tengamos en frente un grupo de superhéroes peleando cada uno por su cuenta pero en el mismo sitio.

La Liga de la Justicia

Esto se maquilla un poco debido a la enorme química que se observa entre los actores, donde todos por suerte salen bien parados en sus roles. Quizás se echen de menos más minutos de este imponente Aquaman en pantalla, o que algunos gags a cargo de Flash no sean tan pavotes (otros son brillantes). Eso sí, la tan temida presencia de Cyborg jamás termina afectando y nunca se siente molesto.

Lo que sí debemos destacar y para mal, son los pobres efectos especiales. El film está sobrecargado de ellos, y más de una vez molestan y sacan al espectador de la película al notarse no del todo logrados. Y eso se hace más evidente aún con el villano del film, Steppenwolf. Tanto por su pobre acabado de CGI como por la falta de personalidad, podemos decir que estamos por lejos ante lo peor de La Liga de la Justicia.

Los fans más acérrimos del comic seguramente saldrán saltando de alegría con algunas de las referencias al universo en papel del DCU, pero siendo un poco objetivos tenemos que decir que no estamos ante una película perfecta. Cumple con su cometido de entretener y de establecer de una vez por todas las bases del DCEU, pero algunas decisiones tomadas en producción, como un pobre trabajo en el CGI, le restan puntos.

La Liga de la Justicia

El debate está abierto y seguramente estemos ante una de las cintas más polémicas del año.

Te esperaré

Te esperaré

Juan es un afamado escritor español, que está a punto de cerrar una trilogía centrada en alguien que en realidad existió; Creu, pero que él se niega a confirmarlo. En la investigación para su tercera novela, deberá viajar a Buenos Aires para conocer a la familia de la persona real detrás de la ficción. Así se adentrará en un problema familiar que lleva años, junto con el caso de un peligroso coronel argentino vinculado con la muerte de su personaje.

Es algo complejo hablar de Te esperaré; ya que si bien la línea general de la película es la de la búsqueda de la identidad y el perdón con el pasado; tenemos varias aristas que hacen que la película destaque por sobre la media de cintas que tocan el delicado tema de los militares en la última Dictadura en Argentina.

Te esperaré

Quizás la parte más interesante de Te esperaré, es cuando los personajes investigan y debaten sobre el pasado de Creu, si en verdad era un revolucionario que peleaba por sus ideales, o solo alguien violento que no podía dejar de luchar. Pero por desgracia la trama no sigue esta historia durante el resto de la película, y se mezcla con la que seguramente sea la peor; y es lo referente a cierto grupo militar de la época.

Si bien, el personaje compuesto por Hugo Arana es creíble y despreciable, esto se da más que nada por pericia del actor que por una construcción de guion; ya que veremos a otro militar malo porqué si, sin demasiadas justificaciones de porque quiere matar a todo el mundo. Y el personaje no tiene el suficiente tiempo en pantalla como para mostrarse como un antagonista creíble, dando como resultado que se termine sintiendo como si estuviera  puesto únicamente porque el film necesitaba un villano y ya.

Te esperaré

Pero no sólo Hugo Arana está muy bien en su rol; el resto de los actores cumplen con creces; en especial, Darío Grandinetti; quien vuelve a mostrar que es uno de los mejores argentinos desde hace tiempo. Es una lástima que viendo las interpretaciones de Jorge Marrale e Inés Estévez, no nos dieran mas de ellos. El primero porque es el mejor personaje de la película y ojala lo pudiéramos ver en otro film, y ella porque parece ser la única persona que se toma dos minutos para pensar las cosas y reaccionar, volviéndose la voz de la razón.

Con todas estas virtudes y algún defecto que no llega a volverse molesto, Te esperaré es una de las películas argentinas más interesantes de los últimos meses. Si bien comparte salas con el dios nórdico, el hecho de que se estrenara una semana después va a ayudar a que todos tengan tiempo de verla en el cine, porque vale verla así.

REVIEW: Thor: Ragnarok

Thor: Ragnarok

Thor continúa buscando las Gemas del Infinito; y en plena búsqueda se topa con el demonio Surtur, quién está decidido a desencadenar el Rangarock, la destrucción de Asgard. Pero en su intento de detener dicho evento, Hela, la Diosa de la Muerte es liberada y ahora Thor deberá olvidar su cruzada para detener a dicha deidad que planea hacerse con el poder de Asgard; pero primero deberá escapar de sus captores que lo tienen cautivo en un planeta dominado por un dictador bastante particular.

Pese a que los films anteriores del dios nórdico fueron bastante fallidos, nadie duda de que Thor: Ragnarok es una de las películas de superhéroes más esperadas de este año, ya que es la última del MCU previo al gran evento Avangers: Infinity War. Además que en el trailer podíamos ver un cambio de tono y una dinámica del personaje que antes no habíamos visto y que parecía dar una mejora enorme con respecto a las primeras entregas. Por eso, es que algunos (donde este redactor se incluye), van a salir del cine un poco decepcionados.

Thor: Ragnarok

En si la película es buena y entretenida, pero Marvel sigue insistiendo en volver comediantes a todos sus personajes, cuando la personalidad de algunos de ellos no se presta para dicho estilo narrativo. En Spiderman Homecoming vimos una comedia al uso, pero el trepamuros es alguien proclive a los gags, mientras Thor sigue sintiéndose forzado a la hora de ser chistoso. Peor aún es cuando la mayoría de los gags provocan vergüenza ajena ya que recurren a golpes y torpeza, recordando más de una vez a los Tres Chiflados y no a una cinta de superhéroes.

Por suerte esta sobredosis de humor es compensada por una gran dirección a cargo de Taika Waititi, quién a la estética espacial ya establecida por los Guardianes de la Galaxia, le agrega estilo propio a la vez que combina con lo visto en Asgard, logrando que todo quede homogéneo y no se sienta un pastiche de colores o estilos visuales distintos.

A esto hay que sumarle que dicha estética ochentosa, es acompañada por una banda sonora que nos recuerda a aquellos films de ciencia ficción de antaño, y que casi de inmediato dota de identidad propia a la película; haciendo de éste apartado, uno de los mejores de Thor: Ragnarok.

Thor: Ragnarok

Con respecto a los nuevos personajes, podemos decir que las incorporaciones terminan aportando bastante, y quizás solo sea Skurge (Karl Urban) y Korg (el propio Waititi pone su voz) los que quedan debiendo, el primero por falta de desarrollo, y el segundo por insoportable que termina siendo. Pero tanto como la Hela de Cate Blanchet, como Valkiria de Tessa Thompson son personajes que imponen presencia en pantalla, agradeciendo  que por fin en Marvel veamos buenos roles femeninos aparte de los ya recontra conocidos. Es una lástima que Hela vuelva a seguir en tono con los restantes villanos del MCU.

Thor: Ragnarok se queda a medio camino entre ser por fin una entrega digna del Dios del Trueno, y otra película graciosa de Marvel hecha solo porque tiene los derechos del personaje y hacía tiempo que no lo veíamos en pantalla. Es una lástima que quizás sea la última vez que veamos a  Thor en solitario, y nunca nos hayan podido dar la película que uno de los vengadores fundadores merecía tener.

REVIEW: Blade Runner 2049

Blade Runner 2049

Año 2049. El empresario Wallace logró salvar al mundo de la hambruna y el colapso económico, y en el camino creó una nueva generación de replicantes más dóciles. Pero aún existen antiguos Nexus que pueden revelarse, y es por ésto que siguen existiendo los Blade Runner para cazarlos.

Luego de un tiempo de espera con respecto a otros países, nos llega uno de los films más esperados del año, Blade Runner 2049, con una ola de críticas positivas que la ponían a priori como una de las mejores películas de la década. La duda es entonces, si este film es para tanto o no.

Blade Runner 2049

Podemos decir que en algunos apartados lo es. La dirección de Dennis Villeneuve es asombrosa, y por varios tramos logra superar a lo realizado por Ridley Scott en la película original. El uso de las luces y la estética implementada, nos muestra un mundo mucho más decadente que el visto en 1982. Sin dudas, después de Blade Runner 2049, Villeneuve debería ser considerado uno de los mejores directores de la década.

El otro apartado que hace tan superior a esta cinta, son las actuaciones. En esta ocasión tenemos varios personajes, bastantes. Pero como la película dura más de dos horas y media, hay el suficiente tiempo para desarrollar estos roles; y para que sus actores se luzcan. Desde Ryan Gosling como el protagonista, hasta los personajes más secundarios, todos tienen su momento para lucirse; mostrando que Villeneuve no solo es un gran director, sino también un enorme director de actores, algo que ya había mostrado en sus anteriores trabajos.

Blade Runner 2049

Pero como dijimos, las dos horas cuarenta y cuatro minutos que dura Blade Runner 2049 se sienten. Y no solo eso, algunos tramos podrían sacarse para reducir metraje, y el film seguiría funcionando igual; haciendo que no estemos ante esa película tan perfecta que se nos dijo.

De todas formas Blade Runner 2049 es una enorme cinta, quizás una de las mejores del año; pero por sobre todo, estamos al fin ante una de esas secuelas tardías, que si aportan al universo creado originalmente, y que está a la altura del mito. Para ver si o si en los cines.

 

REVIEW: Duro de cuidar

Duro de cuidar

Michael Bryce es un guardaespaldas de elite, que se dedica a cuidar a gente que corre peligro de ser asesinada. Luego de que un trabajo terminara de la peor forma, el estatus y la fama de Bryce decayó bastante; pero su ex pareja le pide ayuda para que proteja a un asesino que puede condenar a la prisión a un ex presidente totalitarista de Bielorrusia. Bryce y el sicario Kincaid deberán dejar de lado sus diferencias ideológicas y colaborar para salir vivos y llegar al juicio a tiempo.

Mucho se habló de Duro de Cuidar (The Hitman´s Bodyguard en su nombre original) ya que desde que comenzó su campaña publicitaria, la gran mayoría se sorprendió al ver una cinta de acción que intentaba parodiar a El Guardaespaldas, pero con Samuel L. Jackson siendo una maquina de decir insultos y Ryan Reynolds en el rol que mas cómodo le sienta.

Duro de cuidar

Bueno, por desgracia al que vaya esperando ver una gran buddy movie y pasársela en grande con muchos tiros y acción, y una cinta que no se tome en serio a sí misma; lamentamos decirles que este no es el caso, ya que el guionista Tom O´Connor nunca encontró el tono que le quería dar a su relato, oscilando entre una película seria y una cinta de acción sin prejuicios.

Un claro ejemplo de esto es Gary Oldman, quien compone a uno de sus clásicos villanos serios y manipuladores; pero que parece sacado de otra película en comparación a los protagonistas. Peor aún es cuando con ellos interactúa un máximo de cinco minutos…

El resto del elenco, como se preveía, cumple sin más, tanto Jackson como Reynolds hacen los roles a los que nos tienen acostumbrados, y es gracias a la química que nace entre ellos que Duro de Cuidar se logra sostener como una buddy movie.

En cuanto a la acción, se nos prometía mucha y muy buena; pero la duración de Duro de Cuidar se extiende más de la cuenta, haciendo que tanta adrenalina se diluya y que cuando terminemos de ver la película, solo recordemos una sola secuencia (eso sí, es muy buena y vale la pena volver a verla).

Duro de cuidar

Recopilando, Duro de Cuidar parecía ser un entretenimiento de esos que por ser tan honestos, terminaba haciéndose un hueco en el corazón y la memoria del espectador, pero la falta de coherencia con el tono que se le aplica a la historia, termina por lograr que estemos ante un film irregular, que se desdibuja, y que no sabe que quiere contar; y que solo se sostiene por la dupla protagónica.

Lo peor de todo es que si vieron los trailers y el poster, la decepción va a ser aún mayor porque esas referencias que esperábamos, brillan por su ausencia.

 

Blood Drive

Después de unas semanas volvemos a hablarles sobre una serie, que por desgracia pasó con más pena que gloria por la tv norteamericana, ya que fue cancelada oficialmente tras la finalización de la primera temporada. Pero como sabemos que a muchos de ustedes les gustan las cosas raras y el cine B, no podíamos dejar de hablar y recomendar a Blood Drive.

En un futuro distópico donde las clases sociales bajas son oprimidas casi a su exterminio, una empresa multinacional maneja casi toda la industria planetaria. Una de sus ramificaciones promociona Blood Drive, una carrera sangrienta a lo largo del país con la promesa de que la pareja de conductores ganadoras recibirá una riqueza tal, que nunca deberá volver a trabajar. Pero vale recordar que las reglas de la carrera permiten el asesinato, así como que también los autos usan sangre como combustible.

No, no estamos bajo el efecto de ninguna sustancia rara cuando escribimos la sinopsis. De hecho si había alguien con cosas extrañas en su sistema, fue el creador de esta serie, James Roland; quien da vida a este producto que pareciera ser uno de los productos que nacieron a partir de Grindhouse, aquel proyecto compartido por Quentin Tarantino y Robert Rodriguez.

Blood Drive

Así es, Blood Drive tiene esa estética, con una premisa que agrega cosas de Death Race (el film original, no el remake protagonizado por Jason Statham), y muchísimas referencias al cine de terror clase B de los ochenta, que irán apareciendo a lo largo de los 13 episodios. Homenajes al slasher, los zombies, incluso al western tienen vida en este programa, que como verán es uno de esos hermosos pastiches que tanto gustan al fandom.

Acompañando esta locura tenemos a los dos protagonistas, Arthur y Grace, interpretados por los ridículamente lindos y sexys Alan Ritchson y Christina Ochoa. La pareja principal se complementa de forma perfecta, y no sería raro verlos a estos actores en proyectos similares. En especial a Ochoa, que debería aprovechar este movimiento de mujeres bad ass que se viene impulsando en la industria desde hace unos años.

Como supondrán, el bajo presupuesto se hace evidente en Blood Drive, ya que es una serie sin ningún nombre pesado detrás o delante de cámaras. Pero ésto se compensa con imaginación y un estilo visual que recuerda a las películas de antaño; dándole un toque aun más nostálgico que se suma a lo antes citado.

Blood Drive

Por desgracia la serie fue cancelada tras la finalización de la primera temporada (que terminaba dando pie a una segunda parte). Pero nosotros se la recomendamos igual, ya que es súper entretenida y bizarra.

En esta ocasión no vamos a poner puntaje, ya que estamos hablando de un producto que se ve mal a propósito, y los puntajes serian injustos. Pero el solo hecho de que la estemos comentando, es suficiente para que deduzcan que tanto nos gustó.

 

REVIEW: Dos son familia

Dos son familia

Samuel tiene la vida que siempre quiso, ya que es joven, apuesto, carismático, trabaja en una playa francesa y por sobretodo, es soltero y sin hijos. Pero todo cambia en su vida cuando aparece una chica a la que conoció un año atrás, y que luego de presentarse, le deja al hijo fruto de ambos. Mientras Samuel intenta rastrear a esta mujer por Inglaterra, su instinto paterno se hace presente, y ocho años después lo veremos como un padre hecho y derecho. Pero el retorno de la madre de su hija cambiará la vida de todos.

Nos llega desde Francia Dos son familia (Demain tout commence en su nombre original), un film que en apariencia y por su sinopsis parece un dramón de esos que la mayoría del público casual le escapa, pero ya al ver sus créditos iniciales veremos que no todo es moco y lágrima en este film. O al menos en gran parte de él.

Dos son familia

Dos son familia podría haberse quedado en una comediucha dramática del montón, pero el enorme trabajo que realiza Omar Sy al dar vida a Samuel, hace que nos interesemos por sus conflictos o sonriamos junto con él cuando algo le sale bien, dando un trabajo muy sólido. Pero quien de verdad merece los aplausos es la joven Gloria Colton como Gloria.

Esta muchachita de rulos no solo logra caer simpática y no ser un lastre para la trama (algo que por desgracia suele suceder con los roles infantiles), sino que además termina siendo la contraparte perfecta para el verborrágico papel interpretado por Omar Sy, ya que lo vuelve mucho mas creíble y no tan payasesco.

El trabajo de ambos actores es acompañado por un buen guion, que va construyendo el final dramático poco a poco, dándonos pistas entre tanta risa y escena graciosa. Esto es todo un logro, ya que cuando llegamos al lado emotivo del film, nunca nos sentiremos traicionados por el guionista Eugenio Derbez, quien de a poco fue mostrando sus cartas sin que nos demos cuenta.

Dos son familia

Es una lástima que quizás el personaje antagonista de la película, sea bastante cliché (de hecho supongo que la mayoría de ustedes ya se habrán dado cuenta de quién es). Quizás ese sea el punto más flojo de Dos son familia.

Dos son familia es una gran opción para ir al cine para aquellos que quieran alejarse de los blockbusters norteamericanos, y busquen una historia mucho más humana. También es ideal para que la vean parejas que están esperando a ser padres o ya lo son. Cuando la vean entenderán porque esto último.

 

REVIEW: A Ghost Story

Una pareja pasa su vida rutinaria en una pequeña casa. Pese a tener sus problemas, son felices. Pero un repentino accidente con el auto, mata al hombre, dejándola a ella en la soledad del hogar. Pero el volverá como un fantasma, que no puede dejar su casa, mientras espera que ella lo acompañe. Así es como veremos a este espectro pasar años y décadas de espera, mientras la humanidad sigue su curso.

Estamos ante un nuevo proyecto de esos medio raros, a cargo del realizador David Lowery, quien si vemos su filmografía, fue director de muchísimos cortos. Y quizás ahí está la clave para comprender qué nos quiso contar con A Ghost Story.

Primero que nada les avisamos que no es un film para cualquiera, y que pese a que nos gustó, lo recomendamos bajo el propio riesgo del espectador, porque estamos seguros de que a varios de quienes vean esta cinta por alguna recomendación, terminaran insultándolo y recordando a toda su familia femenina. Así que queridos lectores, haya paz.

A Ghost Story

Lo primero que llama la atención de A Ghost Story, es la casi ausencia total de diálogos. Si en total hay diez líneas de conversación en el film, estamos exagerando; ya que es una cinta que juega con las emociones pero desde lo visual y con la música. ste es un gran acierto por parte de David Lowery, ya que si hubiera empezado a cargar el film con parlamentos innecesarios, hubieran terminado molestando al espectador, porque en esta ocasión, no aportan nada.

Hablamos de la música, y éste es un apartado fundamental para que sintamos el mensaje que transmite A Ghost Story. Las melodías compuestas por Daniel Hart acompañan a la perfección el sentimiento de soledad que vemos padecer al fantasma. Ante sus ojos vemos el pasar de los años y como aun espera a ese ser querido para reunirse en el mas allá, pero como no tenemos diálogos y estamos ante un espectro que apenas logra interactuar con los seres humanos; la música se vuelve casi un personaje principal para que el espectador pueda engancharse con la película.

Como habrán notado, mucho hablamos y no mencionamos ni a Rooney Mara ni a Casey Affleck, y es que de verdad no tienen demasiado para mostrar. Mara no pasa demasiado tiempo en pantalla como para dar una actuación a la que puntuar, pero lo poco que aparece lo hace bien. Más curioso aun es el caso del menor de los Affleck, ya el fantasma del tipo sábana andante que veremos en toda la película es el propio Casey Affleck, quien aceptó pasearse por ahí sin que se le vea la cara.

A Ghost Story

Con todo ésto sobre la mesa, y viendo los antecedentes del director, está claro que A Ghost Story parece adaptarse mucho mejor a un corto o mediometraje, y no al formato largometraje, ya que por varios tramos hay momentos muertos donde literalmente no pasa nada, y si bien a veces esto ayuda a construir la soledad del fantasma, el abuso del recurso se hace evidente, notándose que se busco estirar el metraje para llegar a la categoría de película.

Como dijimos inicialmente, A Ghost Story es una interesante cinta que recomendamos, pero sabemos que muchos nos van a odiar después de verla; así que avisamos y véanla bajo el criterio de cada lector.