Review: Mirada de cristal

Mirada de cristal es similar a Los olvidados de los hermanos Onetti. Las dos películas, además de ser presentadas en la décimo octava edición del Buenos Aires Rojo Sangre (BARS), buscan recrear un tipo de cine que no nació en Argentina. Utilizan toda clase de herramientas visuales para acercárseles lo más posible, hasta parecer como si hubieran sido hechas en la misma época.

La diferencia es que mientras Los olvidados tenía que pelear con un guión no muy bueno y unos pocos efectos especiales en cuanto al gore, La mirada de cristal abraza el delirio del guión. Desde una puesta en escena que recuerda al cine trash de los ’80 -que a su vez retrotrae a al cine de Pedro Almodóvar-, pasando por el Dario Argento de Suspiria (1977). El guión es un simple giallo simpático, que tal vez en comparación con Francesca (2015) de los hermanos Onetti, pierde un poco, pero gana en el diseño de arte.

La gran virtud de los dos directores (Ezequiel Endelman y Leando Montejano) es que recrearon y homenajearon a la perfección el cine italiano de los ’70 y ’80. Es tal el excelente trabajo en su diseño de arte que el por ahora en baja Dario Argento podría aprender de ellos. Con esfuerzo, amor al género y mucho trabajo lograron en escala más chica los escenarios de películas como la ya citada Suspiria y hasta Rojo profundo (1975). Y no se quedan sólo en eso; el vestuario y el maquillaje responden a las mismas inquietudes.

Con un asesino que parece salido de Vestida para matar (Brian De Palma, 1980) pero en versión trash, con una increíble banda sonora ochentosa que nada tiene que envidiarle al mítico colaborador y músico del cine de Argento, Claudio Simonetti, la película es otra prueba del talento que hay dentro del género fantástico nacional. Lo único criticable es que en algún momento se excede en sus homenajes, pero es algo mínimo comparado con los grandes logros conseguidos.

Y todo también aprovechando la ciudad de Buenos Aires, la cual podría pasar por Roma. Es tal la fidelidad y el gusto por el detalle que hasta filmaron en lugares que podrían pasar como parte de aquel país europeo.

A esto se le suman varias secuencias de suspenso bien logradas; una de las mejores ocurre en una playa de estacionamiento, una vuelta de tuerca que entiende lo tramposo del cine giallo, con la libertad total que se respiraba en aquellas películas italianas, y que todos los involucrados entendieron y lograron.

Review: Aterrados

Inspirado en el corto Tiene miedo (2003) Aterrados es la nueva propuesta de Demián Rugna,   un realizador con una vasta trayectoria dentro del género de terror hecho en Argentina. Fue el responsable de escribir El muerto cuenta su historia (2007) y su segmento en la recomendable Malditos sean (2011). Este es su tercer largometraje y también un antes y después dentro del fantástico nacional.

Para que les quede claro de entrada, Aterrados es una gran película de terror. Es una historia simple que entiende los mecanismos del género y logra su objetivo, el de asustar a la audiencia. En vez de copiar al cine  norteamericano, la nueva película de Rugna encuentra su nicho en la idiosincrasia de su país. La historia transcurre principalmente en una callecita de la provincia de Buenos Aires, lugar que el director aprovecha al máximo, así como  tres casas y una oficina.

Y da miedo. En vez de intentar asustar cada dos minutos, se busca la creación del clima y  la tensión necesaria para poder ser rematado con sustos que no son gratuitos sino que tienen consecuencia con el desarrollo de la historia. En interesante también que busque escaparle a los famosos sonidos fuertes para hacer saltar al espectador, esto es porque se confía en el poder de las imágenes y en el hecho de que el espectador ya está inmerso en la situación y que expectante de lo que sucederá. Y a la vez da pie a tres de las mejores secuencias de la película, una que tiene que ver con un personaje sentado en una mesa, otra que transcurre en una ventana y otra que tiene que ver con una pared, son secuencias que pueden hacerle frente a cualquier escena de El conjuro (2013).

 

Todo esto no funcionaría sin los excelentes actores que hay. Todos son convincentes en sus papeles, tienen su función dentro de la historia y además logran que simpaticemos con ellos, en especial el personaje interpretado por  Maximiliano Ghione quien a la vez sirve como la parte cómica y quien va creciendo dentro de la historia. La única crítica en contra es que no dure más porque la experiencia es muy entretenida.

Aterrados es una película que debería estrenarse en cines en todo el país y que también debería tener aún más promoción. Es la que viene a demostrar que en Argentina se viene haciendo cine de terror del bueno, es de esas que el público casual puede disfrutar y acercarse a un género sin pensar que es bizarro y malo. Es el camino a seguir y ojala lo sigan.

Review: Los olvidados

Los hermanos Luciano y Nicolas Onetti se hicieron conocidos en el en el 2013 con Sonno profondo, un interesante giallo (película de suspenso a la italiana) que fue seguida dos años después por la muy recomendable Francesca en la que volvían a homenajear a este sub-género y que además tuvo su estreno comercial en Argentina.

En Los olvidados los directores cambian de registro, se pasan al slasher (ese cine donde un asesino enmascarado mata adolescentes) y aprovechan la ocasión para rendirle tributo a las remakes de The Texas chainsaw massacre (2003, Marcus Nispel) y  The hills have eyes (2006, Alexandre Aja)

El escenario donde transcurre la historia es Villa Epecuen, un pueblito que se encuentra en la provincia de Buenos Aires y que se volvió tristemente célebre porque en 1985 casi todos sus habitantes tuvieron que ser evacuados debido a una inundación que, aunque haya retrocedido con el paso del tiempo, sigue viéndose en algunos sitios.

Es también un lugar ideal para una película de terror y eso lo entendieron a la perfección los hermanos Onetti. Con una excelente fotografía a cargo de Facundo Nuble, que le da un aspecto entre arido, sucio y seco, los directores recorren todos los espacios posibles de este pueblo abandonado.

De hecho una de las de cosas más llamativas es que el nivel de producción es excelente. Desde el diseño de interiores, hasta los efectos especiales y el vestuario, hasta la banda sonora con canciones tanto en inglés como en castellano funcionan. Las actuaciones también son acordes a la propuesta y convincentes, se destaca por sobre todos Chucho Fernandez quien parece estar disfrutando con su papel.

Lamentablemente no es perfecta. El gran enemigo de Los olvidados es el guion que, tal vez por cuestiones de tiempo o económicas, no construye bien algunas escenas y los conflictos de varios personajes. Hay también algunas ideas visuales que resultan más un capricho que algo que suma a la estética de la película. Aunque tal vez el pecado más grande sea que no haya tanta sangre y tripas, lo cual termina decepcionando ya que la historia lo prometía.

De todas maneras Los olvidados es una película recomendable, una prueba más de que los hermanos Onetti son talentosos, de que el cine de terror argentino está pasando por un excelente momento y también de que el festival Buenos Aires rojo sangre está creciendo cada día más.

REVIEW: Djam

Djam

Djam es una joven griega enviada a Estambul por su tío Kakourgos por una pieza para su barco. El viaje es un reto a superar que es sobrellevado muy bien por ella y su avasallante personalidad. Y es que su frescura juvenil, su poca vergüenza y su conducta temeraria la hacen impredecible, adaptándose a las circunstancias. Es un gran acierto del film que Daphne Patakia sea quien da vida a la protagonista, ya que inunda la pantalla con un carisma natural. Como sucedió con Adele Exarchopoulos (La Vie D’Adele, 2013) o Stacy Martín (Nymphomaniac, 2013), son actrices que desbordan sensualidad desde su sola mirada. De Patakia dependerá la continuidad de su carrera.

Los habitantes griegos bailan, toman y comparten con la predilecta música rebétika (una especie de tango griego) de fondo, en cada bar y encuentro social. Los números musicales, que no son muchos, pecan de ingenuidad y llegan a la exasperación sin aportar mucho a la trama más que la lucidez de la misma Djam.

Djam

Podría decirse es un film de fortalezas. Djam perdió a su madre a temprana edad, heredó la gracia, la voz y la impetuosidad. Lejos de mostrar fragilidad, se muestra inquebrantable. Ella logró adoptar la fortaleza masculina, muy probablemente por el entorno que la rodea: un barco lleno de hombres anclado en una costa griega. Luego vuelve sola desde Turquía, con Avril, a la cual protege de los peligros acentuando su lado viril y protector. Esto sin contar las escenas que coquetean con el lesbianismo que terminan dando la sensación de pura complacencia hacia la platea a costa de una sexualidad turgente. Ella dice: “no soy lesbiana” después de perseguir a su amiga por cuartos y balcones en una escena de angelical desnudez. Ahí radica quizás el aspecto más interesante de su personalidad: ambivalencia. Otro ejemplo: en un intento desesperado por pagarle a un chofer un largo viaje en auto, ella insinúa que el sexo oral es la única salida, pero termina pagando con un billete sacado de la galera cuando minutos atrás se quejaba porque no tenía más dinero.

En cuanto al montaje y la narración, se notan algunos baches en ciertos pasajes del film; la dirección no está fina. Aún así, no se le puede reclamar autenticidad a Tony Gatlif, que es un director comprometido con la cultura gitana que retrata (la totalidad de su filmografía se basa en la peculiar cultura de los Balcanes).

En definitiva, Djam se deja ver como un film sincero, con aciertos y desaciertos. Podría decirse que es un film sin muchas luces, pero la labor de su protagonista se encarga de que el barco no naufrague en altamar.

REVIEW: A Ghost Story

Una pareja pasa su vida rutinaria en una pequeña casa. Pese a tener sus problemas, son felices. Pero un repentino accidente con el auto, mata al hombre, dejándola a ella en la soledad del hogar. Pero el volverá como un fantasma, que no puede dejar su casa, mientras espera que ella lo acompañe. Así es como veremos a este espectro pasar años y décadas de espera, mientras la humanidad sigue su curso.

Estamos ante un nuevo proyecto de esos medio raros, a cargo del realizador David Lowery, quien si vemos su filmografía, fue director de muchísimos cortos. Y quizás ahí está la clave para comprender qué nos quiso contar con A Ghost Story.

Primero que nada les avisamos que no es un film para cualquiera, y que pese a que nos gustó, lo recomendamos bajo el propio riesgo del espectador, porque estamos seguros de que a varios de quienes vean esta cinta por alguna recomendación, terminaran insultándolo y recordando a toda su familia femenina. Así que queridos lectores, haya paz.

A Ghost Story

Lo primero que llama la atención de A Ghost Story, es la casi ausencia total de diálogos. Si en total hay diez líneas de conversación en el film, estamos exagerando; ya que es una cinta que juega con las emociones pero desde lo visual y con la música. ste es un gran acierto por parte de David Lowery, ya que si hubiera empezado a cargar el film con parlamentos innecesarios, hubieran terminado molestando al espectador, porque en esta ocasión, no aportan nada.

Hablamos de la música, y éste es un apartado fundamental para que sintamos el mensaje que transmite A Ghost Story. Las melodías compuestas por Daniel Hart acompañan a la perfección el sentimiento de soledad que vemos padecer al fantasma. Ante sus ojos vemos el pasar de los años y como aun espera a ese ser querido para reunirse en el mas allá, pero como no tenemos diálogos y estamos ante un espectro que apenas logra interactuar con los seres humanos; la música se vuelve casi un personaje principal para que el espectador pueda engancharse con la película.

Como habrán notado, mucho hablamos y no mencionamos ni a Rooney Mara ni a Casey Affleck, y es que de verdad no tienen demasiado para mostrar. Mara no pasa demasiado tiempo en pantalla como para dar una actuación a la que puntuar, pero lo poco que aparece lo hace bien. Más curioso aun es el caso del menor de los Affleck, ya el fantasma del tipo sábana andante que veremos en toda la película es el propio Casey Affleck, quien aceptó pasearse por ahí sin que se le vea la cara.

A Ghost Story

Con todo ésto sobre la mesa, y viendo los antecedentes del director, está claro que A Ghost Story parece adaptarse mucho mejor a un corto o mediometraje, y no al formato largometraje, ya que por varios tramos hay momentos muertos donde literalmente no pasa nada, y si bien a veces esto ayuda a construir la soledad del fantasma, el abuso del recurso se hace evidente, notándose que se busco estirar el metraje para llegar a la categoría de película.

Como dijimos inicialmente, A Ghost Story es una interesante cinta que recomendamos, pero sabemos que muchos nos van a odiar después de verla; así que avisamos y véanla bajo el criterio de cada lector.