REVIEW: La forma del agua

La forma del agua

Elisa pasa su solitaria vida siguiendo la misma rutina todos los días. Trabajar en el turno nocturno como limpieza de un laboratorio secreto, charlar con su anciano vecino, y tratar de llevar su soledad mediante…. quererse mucho así misma, mientras espera que alguien la ame pese a ser muda. Pero un extraño suceso pasa en su lugar de trabajo, y el amor que tanto esperaba, llegara de la forma más extraña.

Hoy nos toca hablar de una de las películas más esperadas y hypeadas de todas las nominadas a los premios Oscar, La forma del agua. Y no solo porque su director, Guillermo del Toro, es uno de los realizadores más queridos por los espectadores; sino porque la crítica mundial venía hablando maravillas de este film. Y para serles sincero, cuanta razón tenían.

La forma del agua

Como suele suceder con todas las películas de Del Toro, el diseño de producción es hermoso, y podríamos parar el film en cualquier momento y obtendríamos un cuadro que a más de uno le gustaría tener en su living; pero lo que destaca en esta ocasión es el guión.

A muchos quizás le parezca un simple cuento de hadas, sin ningún aditamento que lo haga especial. Pero si miramos más allá de la historia que se nos cuenta, veremos como La forma del agua toca un tema más que evidente, y es el de la aceptación de uno mismo, con sus virtudes y falencias.

Esto lo veremos en todos los personajes, quienes luchan por ser otras personas, y como sus vidas cambian para bien cuando entienden que lo mejor es dejar de aparentar, y ser como uno es por naturaleza y ya. Solo hay un personaje que no veremos cambian y ya se imaginaran quien es.

La forma del agua

A esta característica de los personajes, los acompañan muy buenas actuaciones, donde destacan el trío compuesto por Sally Hawkins, Michael Shannon y Doug Jones. Como dijimos inicialmente, la historia a priori parece simple, y estos personajes también lo serian; pero los actores se encargan de dotarlos de una humanidad, que logran de inmediato que como espectadores, deseemos que los protagonistas se salgan con la suya y el villano sufra lo máximo posible.

La forma del agua es entonces una película que hay que mirar con mucha atención. Y no solo para disfrutar del trabajo de Guillermo del Toro como director, o para apreciar la exquisita música compuesta por Alexandre Desplat; sino para valorar los detalles que hacen que un cuento de hadas cobre otro significado. Una delicia para todos los sentidos.

 

REVIEW: El sacrificio del ciervo sagrado

Steven Murphy es un cirujano bastante respetado en el hospital donde trabaja. Además, tiene una familia perfecta con una hermosa esposa que lo complace en todas las formas posibles, dos bellos hijos inteligentes y educados. Y también una extraña relación con un adolescente que se aparece sin previo aviso tanto en su trabajo como en su casa ¿Qué oscuro secreto se esconde entre estas dos personas?

Hoy nos toca hablar de El sacrificio del ciervo sagrado, la nueva película de Yorgos Lanthimos, quien ya el año pasado nos sorprendió con The Lobster, un film bastante original y que no dejó indiferente a nadie. Y por suerte esta nueva realización, sigue los pasos de lo antes visto y dirigido por el realizador griego.

El sacrificio del ciervo sagrado

Si algo tiene El sacrificio del ciervo sagrado, es que nos va a poner incómodos desde el primer momento. Y no lo decimos solo por ese primer plano de una operación a corazón abierto (atentos espectadores con estómagos frágiles, están avisados), sino que desde el minuto uno, entendemos e intuimos, que algo raro está pasando; que no todo es tan idílico en la vida de este cirujano que parece tenerlo todo en la vida.

Esto se refuerza con el estilo de actuaciones que exige Lanthimos a sus actores. También lo veremos casi desde el principio, con todo el elenco recitando sus líneas de diálogo como si estuvieran dando un examen oral de memoria; y actuando de forma bastante acartonada. A muchos esto les va a parecer ridículo, o un defecto de la película; pero en opinión personal, creo que está hecho a propósito con el solo sentido de diferenciar este film del resto de los thrillers psicológicos que usualmente vemos. Lo que se dice, la marca del director se hace presente.

El sacrificio del ciervo sagrado

Como verán, estamos hablando de una película poco convencional, y que tiene casi todos los ingredientes para que el espectador que no está acostumbrado a producciones que buscan incomodar al espectador, tanto por la historia, como por un estilo visual (veremos todos planos hermosos y limpios) o con las actuaciones.

Lo más aconsejable para aquellos que sientan curiosidad por ver El sacrificio del ciervo sagrado, es que vean la anterior película del director griego, llamada en Latinoamérica, La langosta. Ahora, si quieren experimentar algo nuevo sin haber visto su anterior obra, estamos seguros que al menos con El sacrificio del ciervo sagrado, van a salir del cine con una extraña sensación de haber visto algo bueno, pero que quizás no vuelvan a ver la película en mucho tiempo.

 

REVIEW: La fiesta de la vida

Los co-directores y guionistas Eric Toledano y Olivier Nakache (responsables de “Intouchables”, 2011) sacan otro truco de la galera con esta implacable brisa de humor de ensamble francés. La fiesta de la vida (C’est la vie, 2017; alejándose de su título anodino y excesivamente esperanzador en Latinoamérica) es la historia de un evento de boda en unas circunstancias felizmente cómicas pues nada sale como estaba planeado. La película tuvo un paso importante por el festival de San Sebastián y recibió la nominación a mejor película en los premios Goya y César.

Liderando esta comedia está Max Angeli (un notable Jean Pierre Bacri) quien tiene a cargo una compañía de catering especializada en bodas. Visto a distancia Max parece no ser el indicado para este tipo de trabajo y todo confabula para que pierda la cabeza, por citar algo: malos electricistas, un cantante temperamental, un novio ególatra y una comida en mal estado que intoxica a los invitados convirtiendo el evento en un desfile cuasi-caricaturesco.

La fiesta de la vida

Una vez más Toledano y Nakache demuestran su habilidad para introducir al gran público en una comedia clásica y sofisticada a la vez, con destino multi-generacional y con aires new-age. Además viendo La fiesta de la vida es difícil imaginar un reparto –multicultural como ya es costumbre en la filmografía de los directores- que la haya pasado mal dada la particularidad y heterogeneidad de los actores, tenemos al novio (Benjamin Lavernhe), Guy un histriónico fotógrafo (Jean Paul Rouve), la manager Adele (Eye Haidara) y Julien, un pedante que no puede superar a su ex (el physique-du-rol para la comedia, Vincent Macaigne). El choque de egos tiene la frutilla del postre con James, el cantante que anima la boda reemplazando a último momento al DJ Fab, nada podía salir bien…

La fiesta de la vida es fresca, mantiene el listón alto de los directores y hace uno de los mejores usos de Can’t take my eyes off you en el cine, no es un dato menor.

REVIEW: Las horas más oscuras

Las horas más oscuras

Las horas más oscuras (“Darkest Hour”) es un drama biográfico sobre un momento crucial: la asunción de Winston Churchill como primer ministro británico durante la segunda guerra mundial mientras la Alemania nazi ostentaba la supremacía territorial en Europa.

Joe Wright es un director que supo exponer su visión sobre épocas pasadas, como ejemplos exponenciales Orgullo y prejuicio (Pride and prejudice, 2005) y Expiación, deseo y pecado (Atonement, 2007). Esta vez vuelve al ruedo y pone el punto de mira en una sociedad inglesa con falta de esperanzas, con la necesidad de tener a alguien en quien creer, como si de una especie de salvador se tratase. Y ahí aparece Winston Churchill, como figura asediada, amada y odiada.

Las horas más oscuras

Las horas más oscuras, al ser una película que atraviesa tiempos históricos y documentados, su mirada es sumamente importante y este “intra-conflicto bélico” no tendría la misma fuerza de no ser por su enfoque en ese interesante personaje con aristas de excentricidad. Gary Oldman le da vida a Las horas más oscuras personificando a un Churchill por momentos teatral, todo lo que ocurre acá es necesario y a nivel narrativo es interesante, pero es el actor británico quien se carga el film en los hombros así como se gana a la multitud en el parlamento inglés con un discurso demoledor. La labor de Oldman es loable –entre otras transformaciones vale recordar su Sid Vicious (Sid and Nancy, 1986)- y si bien ya estuvo en la lista de nominados al Oscar puede tener su noche dorada en la próxima gala.

Las horas más oscuras es el retrato de una europa desanimada que supo fundar sus bases en medio del caos y no funcionaría sin un Chuchill tan vivaz, elocuente y “british”.

“No tengo nada que ofrecer más que sangre, esfuerzo, lágrimas y sudor” Winston Churchill

 

REVIEW: La bóveda

La bóveda

Un grupo de maleantes entra a robar a un banco, tomando de rehenes a los empleados. Pero no solo tendrán que lidiar con algún intento heroico por parte de éstos, o con la misma policía que se entera del asunto de forma casi inmediata con el atraco; sino con algo terrorífico que se esconde en la bóveda de dicha institución.

Si hay algo que tiene a favor La bóveda (quizás de lo poco), es que trata de ser original en el ya agotado sub genero de los robos bancarios; dándole un toque sobrenatural que se agradece, pero que por desgracia no está del todo bien pulido.

Si, seguramente muchos nos tilden de llorones o quejosos, pero es que viendo la película, se intuye que algo malo pasó en dicho lugar, manejando con buen timming el suspenso y sin apresurarse en dar explicaciones; o mejor aún, sin intentar sobresaltar al espectador con algún susto forzado que no venía de la mano con lo que se estaba contando.

La bóveda

Pero cuando se nos presenta el caso sobrenatural, es de forma tan torpe y abrupta, que más de un espectador va a tener cara de “WTF” en el cine y va a sentir que le mintieron en la cara. Incluso uno bien podría dividir la película en dos, separando ambos géneros y presentándolos como cortos independientes, y ambos funcionarían bien por cuenta propia.

Y ese es el gran problema de La bóveda, que nunca vemos una cohesión entre el terror y el suspenso. Aparte que en lo que se refiere a las actuaciones, salvo por James Franco, el resto del elenco es bastante limitado en sus capacidades actorales; en especial, Francesca Eastwood, quien por lo visto no heredó el talento de su padre y es igual de (poco)carismática que su hermano Scott.

De todas formas, pese a sus muchas irregularidades, La bóveda es una de esas películas que si uno deja pasar sus incongruencias, no nos termina aburriendo, además que se pasa volando (mucho influye sus escasos noventa minutos). Si solo buscan ver un film para pasar el tiempo, y olvidarlo a los pocos días, tienen una buena opción en esta mezcla de géneros. Si no, mejor piénsenlo dos veces antes de darle una oportunidad.

 

REVIEW: Recreo

¿Cansado de la rutina?  ¿La convivencia con tu pareja es rutinaria? Es hora de un “Recreo”. Llegó la primera comedia dramática nacional pochoclera en cartelera 2018, idónea para reflexionar sobre el paso del tiempo. El film codirigido y coescrito por la dupla de realizadores Jazmín Stuart (Desmadre, Pistas para volver a casa) y Hernán Guerschuny (El crítico, Una noche de amor) retrata el lado B de tres parejas amigas, en crisis, que rondan la década de los cuarenta y avanzan al ritmo de las agujas del reloj biológico sin reflexionar si están juntos porque el amor que los unió sigue latente o ya es mera costumbre y sigue el mandato del statu quo. Así, casadas y con hijos se reúnen durante un fin de semana con ansias de romper sus rutinas en una casa de campo con bellas vistas hacia el jardín, quincho y pileta… ¡Todo encaminado para un perfecto relax! Sin embargo, no todo lo que brilla es oro y el encuentro en esa única y soñada locación –epicentro de eficaz producción; austera- será el escenario de un sin fin de peripecias que darán rienda suelta a la misión de sostener, con el correr de los minutos, la premisa que cada pareja es un mundo y ser padres una tarea fina…  ¿Podrá un secreto que perdió vigencia en la incomunicación vencer el amor? ¿O aquellas viejas rivalidades, olvidadas, cobrarán vuelo y nuevos rumbos en sus vidas? Esta retórica es la mejor apuesta del guión para sortear los lugares comunes que conlleva.

Sin duda, la clave del éxito reside en la química del elenco integrado por Juan Minujín, Carla Peterson, Fernán Mirás, Pilar Gamboa, Martín Slipak y la mismísima Jazmín Stuart (que en su tercer largo se animó además de dirigir y escribir a actuar). La performance lograda entre bailes al ritmo de The Safety Dance bajo el efecto de levitación producto del consumo de drogas y alcohol logran la sensación de desconexión. Mientras intentan esquivar a sus hijos que rondan en esa casa surgen viejas rivalidades, que coexisten, en el grupo de amigos. Este puntapié inicial de la trama, por momentos, rememora la película Voley (2015) de Martín Piroyansky: emparda el amor con situaciones tragicómicas y desopilantes que suceden durante un fin de semana lejos de la ciudad; más precisamente en una isla del Tigre propiedad del anfitrión. Sin embargo, la dupla Stuart-Guerchuny da en la tecla con tres aristas cruciales  que sostienen con creces los hilos de esta película coral: Los actores coinciden con la edad de los personajes que interpretan; generan credibilidad al marco buscado y empatía con el espectador. Mientras que Voley refleja el complejo universo adolescente y la clase burguesa; Recreo cual efecto aguja hipodérmica retrata y encapsula mediante el funcionalismo del  elemento simbólico de la casa de fin de semana el posicionamiento de clases. El matrimonio de arquitectos aburguesado conformado por Andrea (Carla Peterson) y Leo (Fernán Mirás) recibe a sus amigos de clase media. Ellos tienen un hijo adolescente (Agustín Bello Ghiorzi) y aconsejan -en términos de Maquiavelo- cómo cuidar la pareja de Mariano (Juan Minujín) y Lupe (Jazmín Stuart) que son padres primerizos y, además, atraviesan una crisis laboral; y también a Sol (Pilar Gamboa) y Nacho (Martín Slipak) que están juntos desde el colegio y tienen trillizos. Hasta acá, la fórmula subraya la típica comedia francesa. El reduccionismo que presenta guión en el terreno psicológico freudiano con problemas maritales, tales como por ejemplo: la resignificación de lo sexual con la llegada de los hijos y los camuflajes de las personalidades en el rol de Dominante/Dominado mediante actitudes infantiles sigue los parámetros del leitmotiv de la trilogía “Before” de Richard Linklater; el tinte positivista de “Dos más dos” de Diego Kaplan y evidencia que están todos al borde del delirio, sano. Deben vivir y sobrevivir.

Párrafo aparte para la producción y el arte.  En materia montaje (Agustín Rolandelli) y fotografía (Marcelo Lavitman) repiten criterios de “El Crítico” donde ambos conformaron el equipo. La dirección sigue la ecuación menos es más y entre planos secuencia y  planos detalle funciona. Todo transcurre en una locación; la casa donde Hernán Guerschuny vacacionaba de pequeño; es allí donde su cámara en mano registra la intimidad. En esta línea, el encierro de las seis parejas cual conejillos de indias es acertada. Como plus, los diálogos marcan adrede el tono televisivo con situaciones donde el elenco atraviesa alegrías y tristezas; alteración que en conjunción a las tomas aéreas enfatiza el concepto de relatividad y machismo; segundo guiño que propone el film. Entretanto, se observa un globo aerostático que levanta vuelo (Minujin y Slipak) mientras sus mujeres (Stuart y Gamboa) están en la casa lavando los platos… mientras que Fernán Mirás considera la caza como deporte y sinónimo de masculinidad. Por efecto contagio, pondera que los niños repliquen ese accionar mientras los padres viven su adolescencia tardía.

Así, “Recreo” imprime correctamente un replanteo existencial y frustraciones acumuladas. Propone escapes aleatorios al conflicto pero no lo cierra. Hubiese sido interesante ver un desarrollo más jugado sobre esta apuesta coral al desencuentro. No obstante, a buena hora , como indica el stanley ¿Querías tiempo libre? ¡Bienvenido sea el escape!

REVIEW: The Cloverfield Paradox

The Cloverfield Paradox

Todo el universo Cloverfield está rodeado de un misterio absoluto. Su realización, fecha de lanzamiento, promoción es una controversia constante que recurre al factor sorpresa para alimentar a la masa de espectadores.

En la primer Cloverfield (2008) encontramos la acción en el caos de una ciudad en ruinas por el ataque de una criatura; en 10 Cloverfield Lane, la secuela del año 2016 la acción se trasladaba a un bunker con un John Goodman prepper psicótico que retenía a una pobre Mary Elizabeth Winstead. Dos años más tarde nos encontramos con The Cloverfield Paradox una aventura espacial lograda por una monumental movida de Netflix con una fecha de lanzamiento pactada a minutos de finalizar el Superbowl LII.

The Cloverfield Paradox

¿Qué nos ofrece The Cloverfield Paradox?

Primero y principal estamos ante una película que posee grandes talentos internacionales: Daniel Brühl, John Ortiz, David Oyelowo, Aksel Hennie, Zhang Ziyi, Gugu Mbatha-Raw, Chris O’Dowd y Elizabeth Debicki se encargan de atraer la atención del espectador caracterizando a un grupo de astronautas luchando por lograr una solución al problema energético que enfrenta la tierra. Aviso: hasta aquí llega lo único racional que posee The Cloverfield Paradox, el resto es una sobredosis de momentos – algunos de ellos bastante memorables – que generan una confusión absoluta en el espectador.

La película juega con el viaje accidental interdimensional, y esto es un objeto riesgoso ya que el público se pregunta hace ya diez años de qué va toda esta serie de películas. ¿Tenemos respuestas? , pero a coste de resoluciones forzadas absurdas e hilarantes que alejan esa sensación de lo desconocido que generaba esta serie de películas. Al mismo tiempo su director, Julius Onah, maneja correctamente a sus actores pero desafortunadamente nadie parece entender de qué va todo este asunto de Cloverfield; tenemos situaciones irracionales por el simple hecho de entretener al público y sin un objetivo final.

The Cloverfield Paradox

Además en The Cloverfield Paradox se explora una sub trama alternativa protagonizada por Roger Davies, interpretando al esposo del personaje de Mbatha-Raw, esta sub trama  lo único que dedica es alejarnos de lo que verdaderamente importa; tenemos una situación crítica en el espacio, las dimensiones se están fusionando, hay un brazo que tiene vida propia (literal) y nosotros nos preguntamos ¿a dónde están los gusanos? pero el guión de Oren Uziel (Freaks of Nature, 22 Jump Street) nos impone minutos perdidos mostrando baratija en formato audiovisual protagonizadas por el actor Roger Davies. Todo esto tiene un punto de quiebre, un desenlace conjunto, pero al llegar a esa instancia, sinceramente, ya no nos importa.

The Cloverfield Paradox es una interesante sorpresa para disfrutar en Netflix; la película está llena de momentos surrealistas que sirven de entretenimiento para el espectador, es ideal para disfrutar un fin de semana y que quede ahí. Para ver y debatir.

REVIEW: 50 Sombras Liberadas

50 Sombras Liberadas

La exitosa trilogía erótica de E. L. James llega a su fin en 50 Sombras Liberadas (“Fifty shades freed”) con Anastacia Steele y Christian Grey en la etapa matrimonial.

Ambos se enfrentan a los retos de toda pareja: rutina, celos y peleas en torno al futuro. La madurez ha llegado y los juegos sensuales continúan siendo el pasatiempo favorito de la pareja. El tono sugerente y la música de Danny Elfman aportan para seguir en la línea de las anteriores entregas.

El problema radica en un guión maníqueo que no tiene la fluidez necesaria para llevar a cabo una narración concisa. Además hay muchas escenas reveladas en los avances que amagaban con ser importantes para la trama y en la película no lo son, gato por liebre.

50 Sombras Liberadas

Obviando el hecho de que la saga “Sombras de Grey” nunca se ha exigido a sí misma en cine tanto como en los libros, estamos ante una película que tiene problemas de montaje, de ritmo y de dirección. Las situaciones no son introducidas de la mejor manera, es decir, no hay un porqué ni un motivo, solo ocurren porque sí, el director James Foley no estuvo fino. Tampoco hay mucho que decir de las actuaciones, probablemente lo único rescatable sea la química que han logrado Dakota Johnson y Jamie Dornan con el paso de las películas.

No pienso que 50 Sombras Liberadas requiera un mayor análisis, es un film hecho sin nervio de una saga difícilmente recordable. Seguramente tendrá su público que acudirá a verla, abstenerse los no-seguidores de la saga.

 

REVIEW: 15:17: Tren a París

15:17: Tren a París

Sin duda alguna, entre a ver esta película sin ninguna expectativa. Ya que por dentro mio sabia que estaba muy lejos de ver a lo que fue su gran obra maestra, Gran Torino. Acá podemos apreciar la historia verídica de lo que fue un hecho real.

En el tren de Amsterdam a Paris, todo comienza contándonos la vida de estos tres heroes ( un gran punto extra por el trabajo logrado como director el señor Clint Eastwood). Ya que para 15:17: Tren a París, trabajó con gente sin experiencia actoral, y se puede decir que lo logró muy bien, tocando temas de problemática como: las armas, el nacionalismo, enseñanza ultra católica, los problemas de conducta.

15:17: Tren a París

Pero por momentos, 15:17: Tren a París, se vuelve aburrida con muchas vueltas y escenas que no aportan nada al film. 15:17: Tren a París se puede decir que seria la mas floja de su carrera como director, hasta me animo a decir que los primeros 60 minutos, se ve como un experimento filmico con aires a Stan by me, Euroviaje Censurado. Y a eso le sumamos una gran propaganda a hacernos un tour por Europa, demasiadas veces ( ya exagerado ) la palabra selfie, redes sociales y el uso del smartphone. Como director Clint Eastwood tiene una carrera muy bien realizada, acá tiene su bache para mi opinión.

Tranquilamente es un film para su salida por streaming o blu ray directo. El estreno en cine creo le quedó grande. Hizo un gran trabajo narrando la historia, la idea es buena. Pero algo quedo en el camino, deja un sabor a mas. Una película que con los años no será muy recordada y suma una más al montón. Para verla un domingo en casa y pasar el rato es recomendable.

 

REVIEW: Todo el dinero del mundo

Todo el dinero del mundo

El magnate y multimillonario John Paul Getty tiene todo el dinero que puede imaginar. E incluso empieza a llevarse bien con su distanciado hijo y el resto de su familia. Pero cuando secuestran a su nieto de 16 años, Getty deberá poner en la balanza que aprecia mas en este mundo, si el efectivo, o su propia sangre y descendencia.

Hoy nos toca hablar de Todo el dinero del mundo, una de las películas que mayor controversia trae en esta época de premios, por todo lo sucedido y comentado con Kevin Spacey y su posterior despido del proyecto, y con Christopher Plummer ocupando su lugar y re filmando todas las escenas del primero.

Todo el dinero del mundo

Y es que si bien lo que pasó fue bastante importante para la industria, si nos ponemos a fijar los atributos que tiene Todo el dinero del mundo, empezamos a encontrar muy pocas cosas que destaquen este film, por sobre otras películas promedio y que pasan sin pena ni gloria en la etapa de las premiaciones al cine.

De Ridley Scott ya sabemos que es la irregularidad personificada en un director. Nos da una gran película como The Martian, para el año siguiente seguir hundiendo a los xenomorfos con Alien: Covenant. Y acá su dirección no pasa de lo correcto; demostrando que pese a tener peliculones en su espalda, no vemos un estilo claro en su filmografía.

A esto hay que sumarle que la narración de la cinta si bien es correcta, no propone ningún reto al espectador, y veremos una película lineal. Solo debemos seguir lo que sucede y ya; como si estuviéramos ante un film convencional de secuestros.

Todo el dinero del mundo

Por suerte dentro de todo esto, tenemos a Michelle Williams, quien se carga toda la película en sus hombros, y da una interpretación que si es digna de las nominaciones que viene cosechando. La actriz logra transmitir toda la desesperación que padece una mujer ante el secuestro de su hijo; pero también la determinación para que se haga justicia y todo se resuelva; enfrentando a los investigadores, y por sobre todo, a su nuero para que pague el dichoso rescate. Definitivamente Williams es la única nominación entendible que tenemos en este film.

Todo el dinero del mundo es una película que si bien no es mala, tampoco es demasiado destacable en líneas generales. Y es por eso mismo que nos parece extraño que tenga tantas nominaciones a varios premios; cuando en realidad, terminó siendo más conocida por el escándalo con uno de sus actores, que por sus propias virtudes.